BIOGRAFÍA DEL DIRECTOR
Nacido en Bretaña, Christophe Honoré se trasladó a París en 1994, donde publicó su primera novela Tout contre Léo. Escribió una treintena de libros infantiles, publicados principalmente por L'Ecole des Loisirs, y ganó el premio Baobab del Salón del Libro de Montreuil en 2011 por La règle d'or du cache-cache, publicado por Actes Sud Junior, y escrito en colaboración con la ilustradora Gwen Le Gac.

También ha escrito novelas publicadas por Editions de l'Olivier, como L'infamille (1997), La Douceur (1999), Scarborough (2002) y Le livre pour enfants (2005). Ton Père (2018) fue publicado por Editions du Mercure en Francia. Ha colaborado en varios guiones para Jean-Pierre Limosin (Novo, 2003), Gaël Morel (Le Clan, 2004 ; Après lui, 2007), Diastème (Le Bruit des gens autour, 2008), Mickaël Buch (Let my people go ! 2011), Louis Garrel (Les Deux amis, 2014).

Comenzó a dirigir en 2002 con Dix-sept fois Cécile Cassard, luego Ma mère (2004), Dans Paris (2006), y Les Chansons d'amour (2007) en competición en el Festival de Cannes. Para La Belle personne (2008) adaptó La princesse de Clèves, después hizo Non ma fille, tu n'iras pas danser (2009), Homme au bain (2010), Les Biens aimés (2011), Métamorphoses (2014), Les Malheurs de Sophie (2016), Plaire, aimer et courir vite (2018) que estuvo en competición en el Festival de Cannes y ganó el premio Louis Delluc. Chiara Mastroianni ganó el premio de interpretación en Un Certain Regard por Chambre 212 en 2019. En 2020, rodó una película dentro de la Comédie Française: Guermantes.

En el teatro, puso en escena sus propias obras: Les débutantes (1998), Beautiful guys (2004), Dionysos Impuissant (Festival d'Avignon, 2005), Nouveau Roman (Festival d'Avignon, 2012), Fin de l'Histoire (2015), y adaptó Angelo, Tyran de Padoue de Victor Hugo (Festival d'Avignon, 2009).En otoño de 2018, creó Les Idoles, que fue galardonada con el Premio de la Crítica.Luego, en 2020, puso en escena Le Côté de Guermantes de Proust en La Comédie-Française.

En 2021, creó para el Théâtre de l'Odéon una obra original, Le Ciel de Nantes, que obtuvo el Premio de la Crítica a la mejor obra. En octubre de 2013, firmó suprimer montaje lírico con Dialogues des Carmélites de Poulenc para la Ópera de Lyon. Luego Pelléas et Mélisande de Debussy (Lyon, 2014), Cosi Fan Tutte de Mozart creado en 2016 para el Festival de Aix-en-Provence y Don Carlos de Verdi (Lyon, 2018). Luego Tosca que se estrenó en el Festival de Aix-en-Provence en julio de 2019. Creó Les Troyens de Berlioz en la primavera de2022 para la Ópera de Múnich.


ENTREVISTA CON CHRISTOPHE HONORÉ

P: ¿Cuándo se rodó la película?

R: Empezamos a rodar a finales del año pasado. El invierno pasado fue un momento peculiar para todos nosotros: una época de elecciones, después de muchos meses de una pandemia que seguía haciendo estragos, lo que dificultó mucho nuestro trabajo en el plató. También fue un momento de total vulnerabilidad, ya que la guerra estaba a punto de estallar en Ucrania. Y creo que, a su manera, la película es testigo de esta época concreta, o al menos ha dejado su huella en ella. Con sus tensiones internas, la película despierta una sensación de colapso, sólo evitada por la voluntad de poner una cara valiente, de hacer todo lo posible para no ceder al impulso de rendirse. Tal vez la película trate de eso: de cómo convertir la tragedia en una forma alegre de dolor. Por eso creo que la película es ante todo una historia de amor, no un melodrama, sino una película que espera el amor.

P: Su padre falleció cuando usted era todavía un adolescente. Usted ya abordó su muerte en sus novelas y en su última obra de teatro, "Le Ciel de Nantes", pero nunca tan abiertamente como en "Le Lycéen"

R: Mis películas han tratado a menudo de la desgracia, la irreversibilidad, los puntos de ruptura, pero nunca habría pensado que un día haría una película sobre el estado particular en el que me encontraba en los meses siguientes al fallecimiento de mi padre. Desde "Plaire, aimer et courir vite", he intentado abordar cada nuevo proyecto con una sinceridad escrupulosa. Esencialmente, creo que la gente hace películas porque, en el fondo, echa de menos a alguien, o porque siente, brutal o vagamente, un vacío que intenta llenar con una película. Quizás yo echaba de menos a mi padre con más intensidad entonces.

P: ¿Cómo se llegó a eso?

R: Los directores tienden a pensar que hacen una película como una reacción a la anterior, una especie de opuesto, y ciertamente he experimentado esta rotación... Pero estos últimos años, a menudo he rodado una película justo después de haber dirigido una obra de teatro. En 2020 y 2021, trabajé en "La vía de Guermantes" de Proust en la Comédie Française; luego creé con mi compañía una obra autobiográfica, "Le Ciel de Nantes". Ambas creaciones compartían motivos como el trabajo sobre la memoria, el retorno de los fantasmas, o lo que puede obstaculizar la creación artística... Y me parece que "Le Lycéen" no nació en contra sino en línea con ese espíritu.

P: Las emociones que desentierra son a menudo trágicas, angustiosas.¿Fue un proceso doloroso revivirlas?

R: Fue bastante agotador, porque sé que esas emociones provocaron un derrumbe personal con repercusiones permanentes. Sin embargo, no he tratado de arrojar una luz remota o apaciguada, sobre ellas. Al contrario, he hecho todo lo posible por ser fiel al adolescente que era entonces y a lo que sentía. Quise ser fiel a las emociones que había sentido, utilizando la escritura y la dirección para reencontrar su naturaleza caótica, abrumadora e imprevisible. Cuando la tragedia golpea y trastorna tu vida cotidiana, no hay narración, no hay historia que desarrollar; sólo sentimientos confusos y la impresión de que ya nada tiene sentido. Este empeño por mantenerme lo más cerca posible de esas emociones, como si las reviviera en el presente, me permitió crear un personaje de ficción. Para mí, Lucas es ahora un personaje de ficción por derecho propio. Lo veo más como un joven de hoy que como un recuerdo de lo que fui. Con esta película, no tengo la sensación de haber viajado al pasado; más bien he proyectado un sentimiento del pasado en la realidad de hoy.

P: El relato de Lucas es fragmentario, a veces incluso incoherente.

R: Sí, era muy importante para mí. Lucas cuenta su propia historia a medida que se desarrolla, sin dar un paso atrás. De hecho, más que hablar de sí mismo, Lucas está tratando de dar sentido a las cosas, está pensando en voz alta. Por eso decidí filmar lo que podría haber sido fácilmente una voz en off. Y le dije a Paul que nunca mirara directamente a la cámara. Lo que vemos es un tren de pensamiento, con sus vacilaciones y contradicciones, que tantea, incapaz de definirse como pensamiento real. Y al filmar este rostro, cuyas expresiones reflejan emociones que aún no constituyen una historia, me pareció que podía imaginar y pintar un retrato más delicado, el de un joven cuya inmadurez nunca se afirma, sino que sólo se vislumbra, como un reflejo precioso y conmovedor. Antes del rodaje, releí "El adolescente" de Dostoievski, en el que la narración refleja abiertamente la juventud del narrador. No deja de contradecirse. El personaje anuncia que va a hablar de una cosa y acaba hablando de otra; también toca sólo los momentos que nos parecen cruciales, y divaga sin parar... Seguí ese camino e intenté generar cierta inestabilidad.

P: Te pones en la piel del muerto,haciendo de tu propio padre...

R: Realmente no soy un actor; no me siento cómodo con ello. Sólo que esta vez me alegro de haber podido superar mi incomodidad y formar parte de la película. Me imaginé a mí mismo como un "reflejo" de mi padre, pensé que él seguía presente de alguna manera en mi voz, en mis ojos o en mi forma de moverme. Acepté ser el fantasma de mi padre. Este tipo de metafísica es típica de Bretaña, mi región natal, y puede parecer ridícula para algunos, pero creo que somos los fantasmas de nuestros muertos, que los cazamos, y no al revés.

También era importante para Paul. En nuestra relación actor-director, yo tenía que ocupar el lugar del padre. Para que él pudiera tomar el lugar del hijo. Completamente. Los dos primeros días de rodaje interpretamos escenas juntos; no nos conocíamos mucho y nos encontramos en un coche. Obviamente, yo apenas sabía lo que hacía como actor, y mi incompetencia forjó una relación singular entre nosotros. Nos encariñamos bastante, y este afecto fue una fuente inagotable de energía, alegría y confianza para ambos. Se convirtió en mi forma de dirigir a Paul, por así decirlo: al volante, sin dejarlo nunca solo, permaneciendo a su lado y protegiéndolo, mientras daba un volantazo y se salía de la carretera si era necesario.

P: ¿Cómo y por qué eligió a Paul Kircher?

R: Paul fue elegido al final de un larguísimo proceso de casting, que empezamos cuando yo aún estaba escribiendo el guión. Vimos a casi 300 jóvenes.

No buscaba un aspecto físico concreto, sólo sabía que el papel era exigente y que necesitaba un actor que pudiera cargar con escenas serias y con momentos más cotidianos, ligeros o graciosos. Es complicado a esa edad: los actores jóvenes suelen sentirse más cómodos con la profundidad y la gravedad, y menos con la energía o la alegría. Paul es un actor maravilloso. No sé si el cine estará a la altura de todo lo que puede ofrecer. Su sensibilidad es realmente conmovedora. Y fue un verdadero privilegio para mí.

P: Era la cuarta vez que trabajaba con Vincent Lacoste.

R: Siempre es un placer volver a trabajar con los actores, y también es divertido pedirles que hagan algo diferente. Le ofrecí a Vincent un personaje menos obviamente simpático, con bordes más afilados. La bondad es el rasgo más llamativo de Vincent, pero quería que apareciera tarde en la película. Prefería que la hostilidad, la dureza del personaje fuera predominante durante un tiempo.

Vincent, al igual que Chiara Mastroianni, me hace sentir bien. Cuando llego al plató por la mañana, a menudo estoy de mal humor, porque tengo miedo, temo estropear las cosas. Pero entonces me encuentro con Vincent, que me dice: "¿Cómo estás, Chris, mi hombre? ¿Y qué escenita tenemos hoy?". Es como una inyección de vitaminas inmediata. Al instante recuerdo que no estoy solo en esto, que los actores también están a bordo, y que trabajar con ellos, dirigirlos, es lo que más me gusta en el mundo.

P: Sin embargo, usted trabajó por primera vez con Juliette Binoche.

R: Sí, pero llevaba mucho tiempo soñando con ello. Me acerqué a Juliette para un papel en un proyecto anterior, pero se negó. Las actrices a menudo piensan que si dicen "no" una vez, entonces se acabó. A veces, es así. Pero algunos rechazos son comprensibles y hacen que tengas más ganas de volver a intentarlo. Me alegro de que Juliette haya dicho "sí" para el personaje de Isabelle. Aportó un toque humano y una profundidad que eran esenciales para la película.

Me ha impresionado mucho la fuerza de su interpretación y su pasión por el cine, que es palpable en todo momento. Juliette, como Catherine Deneuve o Isabelle Huppert, es una actriz que te devuelve la esperanza. Tiene tantas ganas de hacer cine que empiezas a soñar con hacer películas para ella. Juliette te hace creer en el cine. Trabajar con ella en el plató abre todo un abanico de posibilidades de ficción. También es una gran cómplice, se nota que disfruta haciendo películas con un pequeño grupo de personas, en secreto, como una conspiración. Hay en ella una profunda necesidad de pertenecer a alguna red secreta, una pandilla unida y trabajadora que se esfuerza por dar a luz una nueva película. Esta sensación de unión en el plató es realmente alegre y preciosa. Sabía que el último movimiento de la película tenía que centrarse en la madre. Quería que ella se apoderara de la narración, que tomara el relevo de la voz de Lucas para que, en cierto modo, se convirtiera en la responsable de un final que quizá no sea del todo feliz, pero que al menos es alegre, dulce y cálido. Juliette asumió plenamente esta elección teórica y fue capaz de encarnarla con sensibilidad y fuerza. Filmar a Juliette es como filmar una vena que late con sangre: la vida está siempre presente.