ROBOT SALVAJE es una poderosa historia sobre el descubrimiento de uno mismo, un apasionante análisis de la unión entre tecnología y naturaleza, y una conmovedora exploración de lo que significa estar vivo y conectado con todos los seres. Está escrita y dirigida por CHRIS SANDERS, nominado en tres ocasiones a los Oscar® y director y guionista de las películas de DreamWorks Animation Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods. Una aventura prehistórica, así como de Lilo & Stitch, de Disney. La producción corre a cargo de JEFF HERMANN (también productor de la película de DreamWorks Animation El bebé jefazo: Negocios de familia y coproductor de la saga Kung Fu Panda).

Robot salvaje, de Peter Brown, una novela ilustrada juvenil publicada por primera vez en 2016, se convirtió en todo un fenómeno, ascendiendo rápidamente al número 1 de la lista de best sellers de The New York Times. Desde entonces, el libro ha inspirado una trilogía que ya incluye El escape de la robot salvaje y The Wild Robot Protects. La saga Robot salvaje y sus otros best sellers le han valido a Brown una distinción Caldecott Honor, un premio Horn Book, dos premios E.B. White, dos distinciones E.B. White, un premio Children’s Choice al Mejor Ilustrador del Año, dos distinciones Irma Black, un premio Golden Kite y un premio The New York Times al Mejor Libro Ilustrado.

La banda sonora original de ROBOT SALVAJE es del oscarizado compositor KRIS BOWERS (Green Book, El último taller de instrumentos) y el montaje es de MARY BLEE (El bebé jefazo: Negocios de familia; también ayudante de montaje de la saga Cómo entrenar a tu dragón). El diseñador de producción es RAYMOND ZIBACH (la saga Kung Fu Panda; El bebé jefazo: Negocios de familia) y el responsable de animación de personajes es JAKOB HJORT JENSEN (Gato con Botas: El último deseo; Los Croods: Una nueva era). La responsable del guion gráfico es HEIDI JO GILBERT (Gato con Botas: El último deseo; artista de historia en Los Croods: Una nueva era); el supervisor de efectos visuales es JEFF BUDSBERG (responsable de aspecto visual de Los tipos malos; responsable de efectos en Los Croods; Kung Fu Panda 3) y el responsable de aspecto visual es BAPTISTE VAN OPSTAL (artista jefe de efectos en Cómo entrenar a tu dragón 2; responsable de efectos visuales en Los Croods: Una nueva era). Heather Lanza (productora asociada de Gato con Botas: El último deseo) ejerce de coproductora. Universal Pictures distribuirá en todo el mundo ROBOT SALVAJE, de DreamWorks Animation.


LA HISTORIA
UNA HISTORIA EXCEPCIONAL. EL PROFUNDO PODER DE ROBOT SALVAJE
En un mundo en el que las pantallas exigen nuestra atención y los plazos dictan el ritmo de nuestros días, es fácil pasar por alto las maravillas de la naturaleza. Nos hallamos atrapados en la incesante búsqueda de la gratificación instantánea, a menudo ignorando la sutil belleza y la sabiduría que nos rodea. Sin embargo, a veces emerge una maravilla literaria, una historia que trasciende las páginas y nos brinda una visión profunda de la belleza inexplorada de la naturaleza, conexiones que aguardan a ser descubiertas y lecciones por aprender. ROBOT SALVAJE es de esas historias, un cuento inicialmente creado para jóvenes lectores, pero que rápidamente se ha ganado el reconocimiento de todos por sus verdades universales. «Robot salvaje es uno de esos libros de los que solo se dan una vez por generación», asegura la presidenta de DreamWorks Animation MARGIE COHN. «Es la clase de historia que se convierte en una narrativa y una referencia emotiva para jóvenes lectores y sus padres, que, a su vez, la compartirán con las generaciones venideras. No solo es una aventura superemocionante con personajes vívidos y memorables, sino que conecta con algo innato y difícil de expresar sobre nuestra percepción del mundo y el lugar que ocupamos en él. Una vez que la vives, no puedes olvidarla».

El best seller de Peter Brown y n.º 1 del New York Times, Robot salvaje, sigue las peripecias de ROZZUM 7134 o Roz, para acortar, una robot abandonada en una isla deshabitada. El viaje de Roz no solo es una experiencia de supervivencia, sino también de autodescubrimiento y de conexiones inesperadas con la fauna de la isla, con mención especial a una cría de ganso huérfana de la que acaba cuidando como si fuera suya. Más allá de la trama, la novela va entretejiendo lecciones de gran valía, subrayando la importancia y el valor de la bondad ante la adversidad, la resiliencia necesaria para adaptarse, las complejidades de ser padres, el proceso emocional de la pérdida y el perpetuo discurso entre la naturaleza y la tecnología. ROBOT SALVAJE rinde homenaje a las diversas estructuras familiares, pone de relieve la belleza de la aceptación y de la pertenencia, y ofrece una poderosa reflexión sobre lo que significa estar vivo.

El viaje de Brown con ROBOT SALVAJE comenzó investigando el mundo de la robótica, la inteligencia artificial y el comportamiento animal. «Mientras investigaba estos temas, me di cuenta de que los instintos animales se parecen mucho a los programas informáticos», asegura Brown. «Los animales tienen un amplio elenco de comportamientos que despliegan de forma automática. Robóticamente, podría decirse. Resulta que los robots y los animales tienen bastante en común, y darme cuenta de ello me inspiró a escribir e ilustrar ROBOT SALVAJE».

El impacto de ROBOT SALVAJE ha cementado su lugar como obra de referencia en los programas lectivos, además de conectar con los padres y despertar discusiones más allá del público al que iba dirigida. El guionista y director Chris Sanders, nominado en tres ocasiones al Oscar® por las películas de DreamWorks Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods, descubrió la novela a través de un trabajo escolar de su hija. Sanders se quedó embelesado con la profundidad y los matices del libro y, de inmediato, supo ver el potencial cinematográfico de la historia. «Lo que más me impactó del libro es que, tras su engañosa sencillez, esconde una increíble profundidad emocional», nos cuenta Sanders. «Conecté mucho con su inocencia y su franqueza. Me atraen mucho las historias con un fuerte trasfondo emotivo. Aunque me gustan las grandes aventuras, los momentos de más calma y más íntimos son los que me llaman de verdad. Esos son los elementos que priorizo como cineasta, y me parecía que la novela ROBOT SALVAJE los ejemplificaba maravillosamente».

Años después, durante una reunión en DreamWorks Animation, Sanders redescubrió ROBOT SALVAJE en el programa de desarrollo del estudio. «No me lo podía creer», dice Sanders. «Al instante, la elegí como la siguiente película que quería escribir y dirigir. En lo que respecta al tono, encajaba perfectamente con mis sensibilidades». Sanders lo habló con la presidenta de DreamWorks Animation, Margie Cohn. «Era una historia muy diferente a las que tradicionalmente se escuchan en DreamWorks. No hay héroes ni villanos tal y como solemos concebirlos, pero ofrece una gran profundidad, y me emocionó que Margie me explicara que por eso precisamente habían querido adquirirla»; dice Sanders. «Algo que siempre he admirado de DreamWorks es su versatilidad. No se limitan a un único estilo o tono. Mi primer proyecto con DreamWorks fue Cómo entrenar a tu dragón, que era una mezcla de drama y humor que se centraba en las emociones, en sutilezas y en una narrativa llena de matices. Veo muchas similitudes entre ROBOT SALVAJE y la saga Cómo entrenar a tu dragón en cuanto a su ADN y su profundidad temática».

Dreamworks supo verlo también de ese modo y había contactado con Peter Brown para hablar de los derechos cinematográficos del libro antes incluso de que se publicara, con la convicción de que tenía potencial para ser una película destacada y que DreamWorks era el estudio ideal para adaptarla a la gran pantalla. «En DreamWorks, nuestro objetivo es transportar al público a lugares inmersivos que nunca hayan experimentado con anterioridad, sean los paisajes de cuento de Shrek y Gato con Botas, la prehistoria fantástica de Los Croods o la belleza natural de Kung Fu Panda y, por supuesto, de las películas de Cómo entrenar a tu dragón», dice Cohn. «Pero nuestras películas también exploran el terreno emocional de lo que significa estar vivo: sentirse solo, tener miedo, experimentar la emoción de lo desconocido, descubrir los intrépidos rincones de tu interior que tal vez ni sabías que existían y, sobre todo, encontrar tu hogar y tu familia, independientemente de la forma que estos adopten. Fue muy emocionante para nosotros que Peter nos encomendara su historia».

Permitir que cualquier estudio haga una película de tu creación es en último término un salto de fe para cualquier autor, pero la historia personal de Brown suavizaba parte de la ansiedad que la mayoría de los autores podrían sentir a la hora de tomar esa decisión. Desde antes de escribir e ilustrar cuentos para niños, Brown había sentido una gran pasión por la animación. Su viaje comenzó en un campamento de animación cuando era crío, prosiguió en la universidad, donde estudió animación, y posteriormente ocupó diversos cargos en estudios de animación antes de descubrir al fin su vocación creando literatura infantil. «Cuando supe que DreamWorks quería hacer una película basada en ROBOT SALVAJE, fue como completar el viaje que emprendí de niño», dice Brown. «Los libros y las películas son formas de arte muy distintas, así que es natural que la película ROBOT SALVAJE difiera de la novela, pero pude mantener numerosas conversaciones con los cineastas y sabía que su objetivo era capturar el espíritu de la historia que yo soñé hace años».

A medida que DreamWorks Animation se aproxima a su 30.º aniversario en otoño de 2024, el estudio sigue aspirando a niveles más altos de excelencia artística. «Siempre andamos en busca de historias que prendan chispa en los corazones y las mentes del público de todo el mundo, y no hay historia que encarne esa misión más que ROBOT SALVAJE», dice Cohn. «Chris Sanders es un auténtico autor, y ROBOT SALVAJE es una historia muy visual que necesitaba un director que la llevase a la pantalla con toda su delicadeza y belleza cinematográfica. El extenso y expresivo currículum de Chris lo convertían en la opción ideal para dirigir este proyecto, y nos sentimos entusiasmados cuando decidió sumarse».

Sanders marcó objetivos ambiciosos para la película, siempre queriendo ir más allá en cuanto a expresión narrativa y artística. Alcanzar esa visión requería de la colaboración de un veterano productor, y Jeff Hermann, que había trabajado en varias películas de DreamWorks Animation, entre ellas El bebé jefazo: Negocios de familia y la saga Kung Fu Panda, parecía el candidato ideal. Hermann también supo ver la oportunidad de aventurarse en nuevas direcciones con la película. «Desde el principio, sabíamos que la historia era excepcional», asegura Hermann. «Encapsula todos los mejores elementos de la narración cinematográfica, una mezcla de alcance e intimidad, alegría y tristeza, humor y terror, emoción y descubrimiento. Se adentra en experiencias humanas fundamentales a través de la perspectiva de robots y animales, explorando temas de apego, compromiso, responsabilidad, amor y la esencia de la emoción».

A la hora de traducir el libro a la gran pantalla, los cineastas querían adaptar y refinar la narrativa sin dejar de rendir homenaje a los elementos más emblemáticos de la obra que habían conectado con los lectores. Sus objetivos eran claros: celebrar las cualidades más distintivas y potentes de la historia, marcar nuevos hitos visualmente en cuanto a aspecto y estilo, y resaltar los temas entretejidos a lo largo de la narrativa.

En ROBOT SALVAJE, Roz se encuentra con que está poco adaptada a la vida en la naturaleza, dada su programación para desenvolverse en una vida moderna y futurista. Inconsciente de su difícil situación, Roz persigue diligentemente su objetivo principal: dar con una persona que le encomiende una tarea que ella sea capaz de llevar a cabo. Pero, en vez de toparse con humanos, se encuentra con animales, un reino con el que no está nada familiarizada. Con toda la decisión del mundo, Roz se lanza a estudiar su comportamiento, aprendiendo en último término a conectar y a comunicarse con ellos.

Los cineastas vieron que el potencial de la historia encajaba a la perfección con las posibilidades de la animación, sobre todo dado que todos sus personajes son no humanos. «Una de las cosas más disfrutables e inesperadas en la creación de esta película fue retratar con autenticidad a los animales», asegura Sanders. «En la animación, a menudo existe la tendencia a antropomorfizar a los animales, darles rasgos humanos como llevar ropa, conducir coches o tener trabajos. Aunque eso puede resultar divertido, siento una admiración única por aquellas historias que representan a los animales tal y como son en la naturaleza. Lo que distingue a esta historia es que nuestras criaturas de la isla tienen cierto carácter antropomórfico porque pueden hablar, pero se comportan realmente como animales de verdad en todos los demás aspectos. Queríamos capturar la esencia de estas criaturas que viven en un entorno duro, inclemente, donde la lucha por la supervivencia es palpable. Los animadores agradecen esta inusual oportunidad e insuflaron calidez y autenticidad a los movimientos y comportamientos de los animales. Sorprendentemente, la ausencia de elementos humanos propició una maravillosa pureza a la historia».

El viaje de Roz alcanza un momento crucial cuando descubre un huevo sin eclosionar del que nace una cría de ganso que, de inmediato, forja un fuerte vínculo con ella. Esto marca el comienzo de la nueva tarea que Roz decide adoptar: cuidar y criar al pequeño ganso. A lo largo de esta experiencia, Roz adquiere un profundo conocimiento sobre la vida, el amor y el inevitable dolor de la pérdida. «Lo poderoso de esta parte de la historia es el sufrimiento inherente de criar a esta cría de ganso, que es una realidad que Roz aún no ha asimilado enteramente», dice Sanders. «Realizar bien su tarea significa acabar viendo cómo esta pequeña ave extiende sus alas y se va volando, cosa que, emocionalmente, tendrá que acabar afrontando. Los desafíos de la vida pondrán a prueba su resiliencia, aunque tendrá que aprender a lidiar con la adversidad y abrazar la incertidumbre de lo que le aguarda».

UN BOSQUE DE MIYAZAKI PINTADO POR MONET. EL ARTE DE ROBOT SALVAJE
Los cineastas fueron más allá de la trama, comprometiéndose a aspirar a lo máximo en cuanto a estética y estilo. Desde el nacimiento del proyecto, estaban decididos a crear una identidad visual sofisticada y única que complementara la historia. El paraje de la isla ofrecía un lienzo ideal para representar un estilo de animación característico que se antojara como una obra pictórica. «Mi padre me dijo en cierta ocasión algo que nunca olvidaré», asegura Sanders. «Me dijo: “Existen límites para lo que puedes construir, pero puedes pintar cualquier cosa”. Esa idea siempre me ha acompañado. También me habló del impacto duradero de los cuadros. Creía que, aunque una foto en una pared puede llegar a perder presencia y fundirse con el fondo con el paso del tiempo, un cuadro siempre pide atención y no deja de embelesar. He comprobado que es muy cierto».

Como comenzó su carrera en la era de la animación dibujada a mano, Sanders valora profundamente el arte y la labor artesana que conllevaba. «Aunque la animación digital posibilitó movimientos de cámara impactantes, también sacrificó algunos de los detalles intrincados y parte de la calidez de los personajes dibujados a mano», asegura Sanders. «Al principio, me preocupaba que la animación digital pudiera limitarnos, así que opté por una apariencia más tipo ilustración o cuadro inspirada en algunas de las obras de DreamWorks más recientes, que se amoldan a este estilo. Necesitábamos gracilidad, poder y poesía en nuestras imágenes, y este enfoque nos brindó eso y más. Se centraba en pintar con profundidad, enfatizando los detalles impresionistas sobre un realismo exhaustivo. Esta elección no solo me cautivó por su belleza, sino que también les confería a las escenas una sensación realzada de realismo y emoción. Nos inspiramos en la representación de animales de los primeros clásicos de Disney, como Bambi, y en los bosques evocadores de las películas de Hayao Miyazaki. Sacando partido a los avances tecnológicos de DreamWorks, creamos una película con un estilo de animación totalmente único. Imagina un bosque de Miyazaki que cobra vida a través de la obra de Claude Monet».

El proceso de refinar el estilo visual de la película se convirtió en una inmensa fuente de orgullo para los cineastas. «Al principio, hablando de nuestras aspiraciones y de las capacidades de nuestras herramientas, visualizamos un cuadro que cobraba vida», dice Hermann. «Nuestro equipo al completo no solo cumplió nuestras expectativas, sino que las superó, ofreciendo resultados muy superiores a lo que pensábamos que era posible».

Además de dar forma a la narrativa y a todo lo visual, los cineastas dedicaron una inmensa atención a explorar los temas de la película y su profundidad emocional. Reconociendo la riqueza de ideas de ROBOT SALVAJE, abordaron la tarea con una consciente consideración. El resultado es una película que nos recuerda elocuentemente nuestra conexión con el mundo natural y subraya la vital importancia de la empatía. Anima al público a encontrar la belleza en lugares insospechados y enfatiza la bondad por encima de todo. «La animación tiene la capacidad única de infundir humanidad en elementos no humanos», dice Hermann. «Este proyecto nos permitió partir de un tono cómico y adentrarnos en una narrativa emotiva y sustancial».

Uno de los temas más potentes y tácitos que toca la historia es el concepto de la adopción y la familia hallada, en oposición a la que tenemos biológicamente. «La narrativa describe de manera maravillosa cómo no hace falta ser padre o madre biológicos para cumplir el rol parental», asegura Sanders. «El viaje de Roz tratando de hacerse con las riendas de la maternidad, desde el rechazo inicial a la aceptación en último término mientras cuida de este joven ganso, conecta con lo más profundo de nuestro ser. Esa relación que va evolucionando con la criatura de ganso pone de manifiesto la compleja dinámica de la crianza».

La transformación de Roz tras la eclosión de la cría de ganso es un momento muy potente marcado por una bondad inesperada. «En nuestra conversación inicial con Peter Brown, nos centramos en la idea de que la bondad es una habilidad de supervivencia», dice Hermann. Sanders añade: «Esa conversación se nos grabó a fuego e incluso la incorporamos a la narrativa. Aunque no se diga explícitamente en el libro, los actos de bondad de Roz se convirtieron en un principio guía para la película y eso dio forma no solo a la historia sino también a los valores que abrazó el equipo al completo».

Para Sanders, llevar ROBOT SALVAJE a la pantalla demostró ser una profunda experiencia personal y profesional. «Este proyecto es uno de los logros de mi carrera que me despiertan mayor orgullo», asegura Sanders. «Los artistas se han superado verdaderamente dando vida a un libro, a una historia y a unos personajes que tienen un inmenso significado personal para mí, para el equipo técnico y, esperemos, para todo tipo de público. Como una vida bien vivida, ROBOT SALVAJE abraza la tragedia, la alegría, los planes fallidos y los triunfos accidentales. Celebra la magia del día a día que va tejiendo una vida, reflexionando sobre la dinámica de la crianza, la infancia, la esencia del hogar y, sobre todo, aprendiendo a crecer más allá de los límites para los que estamos programados».


LOS PERSONAJES EN VO
ROZZUM 7134, ALIAS «ROZ» - LUPITA NYONG’O
Rozzum 7134, conocida como «Roz», cuenta con la voz en VO de la ganadora del Oscar® Lupita Nyong’o. Diseñada por Universal Dynamics, Roz es una sofisticada robot que acaba perdida en una isla deshabitada sin ningún humano que la guíe, lo que la lleva a tener que buscarse su propio propósito. Ese propósito se aclara al momento cuando descubre un huevo de ganso, motivándola a cuidar y criar al polluelo que nace.

Los artistas y los animadores integraron comportamientos de Roz basándose en las perspectivas de Nyong’o, abarcando cualidades como la inocencia, la voluntad, la dificultad de comprensión y la honestidad. «La aportación de Lupita fue clave para descubrir rápidamente el carácter de Roz», nos cuenta el director Chris Sanders. «Su atención al detalle en cada aspecto fue inestimable. La grabación de cada escena iba precedida de extensas conversaciones y sesiones de lluvia de ideas con Lupita, que a su vez llevaban a tener que reescribir y de esa forma, mejorar consistentemente las escenas. El talento de Lupita yace en su profunda comprensión de los personajes y de su impacto narrativo, garantizando que conduzcan la historia en vez de ser meros pasajeros».

Sanders y Nyong’o colaboraron para encontrar la voz de Roz, transformándola gradualmente de ser una entidad robótica a una criatura emotiva a lo largo de la película. «Hallar la voz de Roz fue todo un viaje», dice Nyong’o. «Todo comenzó con un debate sobre el rol de las emociones en un robot. Roz, siendo una robot, tiene que aprender a acceder a la espontaneidad de las emociones, que es algo que no le nace de forma natural a una entidad programada. ¿Cómo se convierte ese debate filosófico y cerebral en una actuación? ¿Qué te hace transmitir la falta de emoción y luego su adaptación al mundo de las emociones expresas? Comenzamos con una voz más incorpórea y lo que yo llamo el “optimismo programado” que integran figuras robóticas como Siri o Alexa. Ese optimismo está presente, pero no puedes sentir el alma de Siri. Roz comienza en ese ámbito y luego, a medida que se adapta al mundo y se convierte en la madre que cría a Picobrillo, se reprograma para acceder a algo más afín a la empatía, la expresión y las emociones humanas. Para cuando llegamos al final de la película, se ha convertido en una figura totalmente tridimensional y completa».

Nyong’o sintió sin duda la pasión y el compromiso de todos los integrantes de equipo de cineastas a lo largo del proceso de grabación. «Se respiraba un nivel de colaboración que me dejaba en un estado totalmente inspirado cada vez que salía de la cabina de grabación», nos cuenta Nyong’o. «Chris Sanders y Jeff Hermann son supercolaborativos. Chris es la clase de director que no permite que su ego se interponga en su camino. Siempre que me metía en la cabina y tenía preguntas o estaba debatiéndole alguna decisión, se prestaba totalmente. Todos los miembros del equipo de este proyecto eran muy adaptables y colaborativos. Era como si todos estuviéramos amasando a la vez ese pastel que íbamos a hornear juntos. Cada vez que salía de la cabina, me sentía empoderada, muy valorada y absolutamente inspirada por el trabajo que habíamos hecho».

El viaje de Roz en la isla es una aventura de autodescubrimiento y adaptación. Inicialmente confinada por su diseño programado y su estructura, Roz aprende a desenvolverse por su nuevo entorno. Con el trascurso del tiempo, abraza los instintos de la naturaleza, adquiriendo valiosísimos conocimientos de los diversos habitantes de la isla y del mundo natural. Para Nyong’o, asumir el papel de Roz supuso un destacado hito en su carrera profesional. «Trabajar con DreamWorks ha sido un sueño, y lo digo con todo mi corazón», dice Nyong’o. «Cuando empecé este proceso, iba con pies de plomo. Sí, estaba el libro, pero un buen libro no garantiza automáticamente una buena adaptación, ¿sabes? Había visto la obra de Chris Sanders, como Cómo entrenar a tu dragón, y sabía que tenía una forma muy especial de abordar la animación y las historias que quiere contar. Sin embargo, para mí se trataba de un medio relativamente novedoso aún. Sí que había hecho cosillas, pero nunca había asumido la responsabilidad de un papel principal en la animación antes de esto. Por eso, quería ser cautelosa, porque quería saber cómo iba a ser y a lo que podía conducir. Conllevó largas conversaciones con Chris y emplearme a fondo para imaginar todos los recovecos de lo que podía llegar a ser este proyecto. Cuando te apuntas a hacer una película de animación, te estás comprometiendo a un trabajo de varios años. El proceso es muy lento y cuesta sentirse totalmente inmersa cuando tienes que acudir cada seis meses para trabajar en ello. Por eso, subirse a bordo de un proyecto de este calibre conlleva mucha fe y, sin duda, un montón de paciencia. Pero estoy feliz de que todo haya merecido la pena».

Roz no tarda en pasar de ser una máquina restringida por la ingeniería y su programación racional y desapegada a una entidad compasiva y empática. Sus interacciones con la vida salvaje de la isla modelan su comprensión de la bondad y la empatía. «Espero que el público disfrute de la belleza, la aventura y las emociones de esta película», dice Nyong’o. «Es un proyecto que no teme tocar puntos muy sensibles y espero que los espectadores sepan gozar de esa experiencia. En último término, el mensaje de ROBOT SALVAJE, tanto del libro como de la película, es que la bondad es una cualidad innata que deberíamos desarrollar, y que es muy valioso ser fiel a ti mismo mientras abrazas el cambio».

BRIBÓN - PEDRO PASCAL
Bribón, un zorro rojo cazador, está interpretado en VO por Pedro Pascal, en la que es su primera película de animación. Bribón es muy inteligente, decidido y astuto, con un gran sentido de la independencia y mucho criterio a la hora de elegir con quién comparte su tiempo. «Grabar mi primera película de DreamWorks Animation ha sido divertidísimo, pero también un reto», cuenta Pascal. «Me había hecho una idea de la cantidad de trabajo que suponía una experiencia así, pero no dejan de asombrarme sus numerosos aspectos técnicos, creativos y físicos. Es una labor que conlleva mucha captura de interpretación vocal, y no podría haberlo hecho sin Chris Sanders y el resto de personas al otro lado del cristal, que me ayudaron con su pasión, inteligencia y esfuerzo a dar vida a un personaje como Bribón».

Debido a la percepción que la isla tiene de Bribón como villano, su soledad se acentúa. Él está enfocado en un primer momento en robar el valioso huevo de ganso de Roz, pero la dinámica entre Bribón y Roz cambia de enemigos a amigos cuando él experimenta su ternura sin precedentes. A través de esta dinámica amistad, Bribón enseña a Roz valiosísimas lecciones de supervivencia. Según pasan más tiempo juntos, el instinto de supervivencia de Bribón va dando paso a un carácter ingenioso, imaginativo y ferozmente leal.

Pascal valora enormemente su colaboración con Sanders. «He visto muchas películas de Chris, y reconozco que, ya de adulto, una vez me pedí por mi cumpleaños ver Cómo entrenar a tu dragón en IMAX», confiesa Pascal. «Los cumpleaños no son lo mío, pero esa fue mi excusa para darme el gusto. Sé lo esencial que resulta Chris a la hora de crear mundos completos y de llenar de color las interpretaciones. Ha sido un guía increíble, a veces incluso ensayando escenas para ayudarme a encontrar el camino. No solo piensa en las raíces del personaje, también en darles vida y autenticidad».

Mientras Pascal grababa su personaje, el equipo descubrió nuevas capas de Bribón que en un primer momento no resultaban obvias en el guion. «La interpretación de Pedro hizo surgir el lado pícaro de Bribón, a veces casi como un niño travieso», dice Sanders. «Comenzó a decir sus frases con una mezcla de dureza, inteligencia y, ocasionalmente, cierta curiosidad infantil, lo que permitió que se entreviera esa pizca de inocencia en el personaje. Este nuevo enfoque conectó mucho con Pedro, que dijo que se sentía más identificado con Bribón que con muchos otros papeles que había rodado».

Encontrar la voz de Bribón fue un proceso sorprendentemente iluminador para Pascal. «Al principio pensé en que sonara molón y divertido, un poco como te imaginas que sonaría un zorro», dice el actor. «Pero Chris me ayudó a alejarme de esas ideas artificiales, y me animó a abrazar mi propio sentido del humor, mi color y mi capacidad para hacer el ridículo. Me dio permiso para ir a por ello y probar, cosa que resultó liberadora».

PICOBRILLO - KIT CONNOR
Picobrillo, un ganso criado desde el huevo por su guardiana robótica Roz hasta convertirse en todo un ganso adulto, es la encarnación de la resiliencia frente a la adversidad. Con la voz del actor Kit Connor en VO, Picobrillo pasa de ser una curiosa y vulnerable cría de ganso a convertirse en un resuelto adolescente a punto de llegar a la madurez. A pesar de su pequeño tamaño y su crianza poco convencional, Picobrillo se enfrenta a los retos de la pertenencia y la identidad con responsabilidad, honestidad y optimismo.

Las experiencias de Picobrillo, vividas mientras aprende de un progenitor no tradicional como Roz y navega las emociones adolescentes, muestran su profundidad mientras trata de encontrar su lugar en un mundo que, con frecuencia, no le comprende. «Picobrillo está embarcado en un viaje de autodescubrimiento», dice Connor. «Al comienzo de la película, Roz es un robo insensible. Picobrillo le enseña a ser amable y amar; a cambio, su relación madre-hijo va reforzándose según avanza la historia. Esta conexión en continuo desarrollo no solo confiere calidez a la historia, también subraya el poder de la empatía y el entendimiento a la hora de afrontar retos. Y ese amor y esa amabilidad que Roz termina aprendiendo ayudan a ambos a tener éxito. A lo largo de la película, vemos cómo Picobrillo gana confianza y aprende a amar las cosas que le hacen diferente».

Connor se enfrentó a una dura tarea a la hora de dar voz a Picobrillo, cuya seriedad e inocencia supusieron una oportunidad para que su interpretación aportara profundidad y complejidad al personaje. «Durante nuestra primera sesión de grabación, me sorprendió la capacidad de Kit para llenar de auténtica emoción la voz de Picobrillo», dice el director Chris Sanders. «Dio vida al personaje de forma destacadamente auténtica, haciendo que de verdad Picobrillo cobrara vida en la pantalla. La interpretación de Kit brindó a nuestros animadores una rica base para explorar, mucho más allá de nuestras expectativas iniciales, los matices de la relación entre Picobrillo y Roz».

COLIRROSA - CATHERINE O’HARA
Colirrosa, con la voz en VO de la ganadora del Premio Emmy Catherine O’Hara, es una madre zarigüeya y el primer animal con el que Roz se comunica con éxito. Colirrosa saca adelante la maternidad con una mezcla de pragmatismo, instinto maternal y un toque de sentido común, lo que le permite gestionar con desparpajo a su hiperactiva prole de pequeñas zarigüeyas. A pesar de su paciencia y ternura, Colirrosa, como ha concebido y criado numerosas camadas, es una mamá de campeonato y distingue con suma facilidad cuándo una cría está únicamente llamando la atención y cuándo está en peligro de verdad. Las divertidas contestaciones que les da a sus pequeños tienen un trasfondo de fatiga maternal y una sutil tristeza que hace que resulte tremendamente cercana. «Colirrosa es una mamá que ha tenido múltiples camadas cada año, y cada camada de entre 7 y 25 cachorros, por lo que, para ella, la maternidad es más una cuestión práctica que algo novedoso», explica el director Chris Sanders. «Ama a sus crías, pero no se anda con miramientos. Me lo pasé pipa escribiendo sus escenas gracias a su visión pragmática de la vida, algo novedoso en animación, donde los personajes maternales suelen inclinarse hacia la dulzura».

Cuando Colirrosa se da cuenta de que Picobrillo se ha apegado a Roz, le dice sin paños calientes a la robot que le toca cargar con él, le guste o no. «Colirrosa no va a dejar que Roz esquive su responsabilidad materna, y cada día le enseña cómo cumplir con ese papel», cuenta O’Hara. «La fortaleza de Colirrosa es su instinto maternal, y realiza el papel de madre con pragmatismo, mientras que le concede a Roz espacio para que aprenda a través de la experiencia, interviniendo solo cuando es necesario. Colirrosa ejerce la maternidad con humor, una cualidad que mi propia madre, que crio a siete hijos, consideraba esencial».

O’Hara valora la aguda visión y el contagioso humor de Sanders. «Chris no dejó de agrandar mi papel, haciéndolo más divertido y dinámico con cada línea de diálogo», dice O’Hara. «Su capacidad para impregnar todo de humor y emoción hizo que las sesiones de grabación fueran tremendamente divertidas y gratificantes. Creo que el público va a quedar maravillado con la belleza y la profundidad de la película. El arte que hay en cada fotograma, la meticulosa atención puesta en cada detalle del sonido y el diálogo... Nada de eso es casualidad. Y, en cuanto a su mensaje, la película es un hermoso recordatorio de lo maravillosa que es la familia. Está claro que esta película está elaborada con amor y compromiso por un equipo al que de verdad le importa su trabajo».

CUELLILARGO - BILL NIGHY
Cuellilargo, con la voz en VO del nominado al Oscar® Bill Nighy, es el ganso más sabio y viejo de la isla. Responsable de la seguridad de miles de sus congéneres durante la migración anual, Cuellilargo transmite una elegancia, sabiduría y afabilidad naturales que lo diferencian del resto. Su predisposición al cambio y a tratar a todos con respeto, incluida Roz, refuerza la buena estima que de él tiene la bandada. «Para mí era muy importante formar parte de esta película porque DreamWorks tiene un historial impresionante de hermosas producciones animadas», dice Nighy. «Fue increíble y aleccionador ver la transformación de mis grabaciones de voz en escenas completamente animadas. La primera vez que vi el tráiler de la película, me sentí orgulloso de formar parte de ella».

Siempre perspicaz, Cuellilargo es capaz de distinguir las fortalezas de Picobrillo donde otros solo ven defectos, lo que le lleva a tomar al joven ganso bajo su ala y a integrarlo en la migración. «Una de mis frases favoritas de Cuellilargo, sacada directamente del libro, subraya la singularidad de Picobrillo entre el resto de gansos», dice el director Chris Sanders. «El retrato que Bill Nighy hace de Cuellilargo resulta fascinante, y cada momento en el que su personaje está en pantalla resulta mágico. Escribir su diálogo y luego escuchar cómo él le daba vida ha sido enormemente satisfactorio y divertido».

Nighy está impresionado por la exquisita experiencia visual que es ROBOT SALVAJE. «Combina fondos impresionistas con criaturas muy definidas, una combinación genial que crea una estética muy chula», dice Nighy. «La propia historia es profundamente inspiradora y potente, y los creadores han pasado años trabajando en ella para conseguir una experiencia inmersiva, colectiva y única en el cine. Una película de este tamaño y grandeza brilla en la pantalla grande».

SAVRYNA - STEPHANIE HSU
En ROBOT SALVAJE encontramos diversas entidades robóticas fabricadas por Universal Dynamics, cada una con misiones y características diferentes. Los Rozzums, como Roz, son robots asistentes expertos en integrarse a la perfección en la sociedad humana. Por su parte, los Recos son robos de seguridad de nivel militar conocidos por su gran tamaño y asertividad. SAVRYNA, con la voz en VO de la nominada al Premio Oscar® Stephanie Hsu, es una robot administrativa especializada encargada de evaluar situaciones y tomar decisiones en nombre de Universal Dynamics. Es la versión robótica de esos compañeros de trabajo que dan algo de repelús porque siempre obedecen al jefe sin hacer preguntas y con cierto exceso de entusiasmo.

Hsu se sintió tremendamente feliz por la oportunidad de trabajar en esta película. «Sé que suena a cliché, pero formar parte de la familia DreamWorks es un sueño», dice la actriz. «Esta película me emociona especialmente porque crecí viendo títulos como este. La animación tiene una forma única de agrandar nuestros corazones y permitirnos sentir nuestras emociones de forma muy intensa, gracias a formas de expresión más suaves y coloridas. Estoy enormemente agradecida de formar parte de todo esto».

Lo que distingue a SAVRYNA es su personalidad cuasihumana y su expresiva voz. Aunque de inicio se muestra cálida y alegre, transmite sutilmente un trasfondo malévolo. «El talento de Stephanie es excepcional», afirma el director Chris Sanders. «SAVRYNA está diseñada para ser tan directa como el resto de robots de la historia, pero tiene una personalidad más exuberante que el resto de sus compañeros robóticos. Aunque, tras su alegre fachada, no siente nada. La interpretación que Stephanie hace de SAVRYNA es impredecible e impactante al mismo tiempo. Ver cómo daba vida al personaje nos dio con frecuencia nuevas ideas y enriqueció las escenas».

Al tiempo que SAVRYNA lidera la misión para recuperar a Roz de la isla, Roz se rebela contra sus órdenes, lo que provoca que la afable actitud de SAVRYNA vaya degradándose poco a poco hasta desvelar su verdadero carácter. «SAVRYNA es como la versión futurística de Siri, convertida en una superdiosa», dice Hsu. «Sigue las reglas al pie de la letra y nunca se sale del cauce oficial. Es tan alegre que resulta perturbadora, un contraste muy interesante de explorar. Pero, más allá de mi personaje, es muy emocionante formar parte de un proyecto con tanta alma, y de un equipo con tanto talento».

Hsu pone en valor cómo el estilo de animación de ROBOT SALVAJE combina el espíritu de la animación tradicional con el toque moderno. «Tiene texturas y es tradicional, pero a la vez fresco y novedoso, lo que resulta crucial para plasmar la naturaleza orgánica de la historia», explica Hsu. «En lugar de añadir un montón de parafernalia para llevarnos adonde los robots habitan, nos trae los robots a nuestro mundo; creo que eso es algo realmente hermoso».

ESPINO - MARK HAMILL
Espino, el impresionante oso grizzly y principal depredador de la isla, está interpretado en VO por el ganador de un Premio Emmy e icono de la cultura popular Mark Hamill. Con su imponente presencia, Espino es la criatura más temida de la isla, aunque terminará por convertirse en un aliado clave para la supervivencia de la isla. «Uno no tiene todos los días la oportunidad de trabajar con alguien de la talla de Mark Hamill, y debo admitir que durante las sesiones de grabación tuve momentos de quedarme deslumbrado con él», admite el director Chris Sanders. «Incorporarle al reparto fue un momento realmente excepcional y especial. A pesar de lo intimidante que me resultó al principio dirigir a alguien a quien he admirado durante tanto tiempo, él hizo que la experiencia resultara fácil y maravillosa». Como añade el productor Jeff Hermann: «Todo el equipo técnico estaba entusiasmado con su incorporación porque todos hemos crecido viendo la icónica carrera de Mark. Sus personajes han desempeñado un papel muy importante en nuestras vidas, y para muchos de nosotros han sido una inspiración para dedicarnos al cine».
Hamill se preparó a conciencia para este papel. «Me leí el libro entero, con sus 279 páginas, antes de estudiar el guion, que mantiene la esencia de la historia al tiempo que concede espacio para realizar una adaptación a la pantalla», cuenta el actor. «Tuve la ventaja de contar con varias secuencias ya terminadas, lo que me dio pistas de hacia dónde iba la película visualmente».

Hamill prevé que el público va a quedar sorprendido por la profundidad emocional de ROBOT SALVAJE. «Ya en el libro, la escena en la que Picobrillo deja a Roz para migrar me pareció muy emotiva», dice Hamill. «Verla en la película añade toda una nueva capa de profundidad. Las expresiones, especialmente en los ojos, transmiten muchísima emoción, incluso sin el contexto de la música o el resto de la secuencia. Es algo muy, muy potente y me recuerda a las películas que me encantaba ir a ver al cine con mis hijos cuando eran pequeños. Una película con este atractivo universal es un hallazgo único y valioso, y en ese sentido esta película es una joya».

REMERO - MATT BERRY
Remero, que cuenta con la voz en VO de Matt Berry, es un castor solitario y gruñón conocido por su destreza, meticulosidad y querencia por el control. Aunque esto último puede provocar reacciones algo explosivas, su buen hacer resultará fundamental cuando inesperadamente se convierta en la clave para la salvación de la isla. «El personaje de Remero evolucionó considerablemente una vez que elegimos a Matt para el papel», dice el director Chris Sanders. «En un principio, el personaje estaba pensado para algunos momentos cómicos rápidos, pero luego creció de forma sustancial. Afinamos algunas frases de Remero para que se ajustaran al estilo grandioso de Matt. Es más, su estupenda interpretación nos llevó a añadir una escena con Remero al final de los créditos porque queríamos verlo más».

TRUENO - VING RHAMES
Trueno es un imponente e intimidante halcón depredador, afamado por su dominio de los cielos. A pesar de su temible naturaleza, Trueno se convertirá en el instructor de vuelo de Picobrillo. El papel pedía una voz particularmente resonante, y los cineastas la encontraron en el actor Ving Rhames. «Trueno necesitaba ser grandioso, memorable e inmediatamente reconocible como alguien capaz de dar a Picobrillo las clases de vuelo que necesita», explica el director Chris Sanders. «Con la voz de Ving Rhames, la personalidad de Trueno queda clara en cuanto abre el pico. Transmite confianza, efectividad y pragmatismo, pero sin dejar de resultar afable y divertido».


LA MÚSICA
La música es un ingrediente único en el cine, no solo como acompañamiento, sino como un elemento narrativo en sí mismo. Gracias a una meticulosa composición, las escenas se convierten en experiencias emocionales, en lugar de ser meros espectáculos visuales. En ROBOT SALVAJE, la sinergia entre la música y la historia alcanza cotas inigualables gracias al oficio del compositor ganador del Oscar® Kris Bowers, conocido por su trabajo como director y productor del oscarizado cortometraje documental de 2023 El último taller de instrumentos.

El proceso creativo de Bowers para ROBOT SALVAJE comenzó con las conversaciones que mantuvo con el director Chris Sanders. «Hablamos sobre las relaciones y los temas emocionales de la historia, y sobre cómo la música podría ayudar a subrayar y enriquecer el relato», explica Bowers. «Nuestras charlas sobre la crianza, la compleja dinámica entre Picobrillo y Roz, y la bondad de Roz como mecanismo de supervivencia generaron en mí una clara y visceral respuesta emocional, por lo que buena parte de mi proceso de composición consistió en tratar de recrear esa misma emoción. La composición de los temas principales para que la banda sonora representara ese panorama emocional exigió un proceso de ensayo y error, pero una vez que tuvimos esos temas y la paleta para la banda sonora, fui capaz de simplemente seguir el viaje emocional al que la historia me llevaba como espectador, y responder a ello con música».
La banda sonora del film incluye temas propios para Roz, Picobrillo y Bribón, junto al tema principal dominante. «Ya al comienzo tuvimos la idea de crear un tema principal que representa las ideas de familia y comunidad», dice Bowers. «El punto en el que nos hallamos en la historia o quién está llevando el peso de la escena me ayudaron a decidir qué tema elegir, y a veces aparece más de un tema. De esta forma, en la secuencia en la que Roz lleva a cabo una misión de rescate durante una tormenta de nieve, su tema lleva la voz cantante, pero hay guiños al tema principal, que suena mientras vemos cómo Roz une a todos los habitantes de la isla».

Bowers sacó provecho de la complejidad de la historia con maestría. «Incluso en los momentos sin diálogo, el viaje emocional es claro y palpable», afirma el compositor. «Puedo limitarme a seguir los momentos de conexión, curiosidad, aislamiento, humor y alegría que se sienten en la narración. Y según la animación se desarrollaba a lo largo del proceso, esos sentimientos se fortalecían y se hacían aún más profundos».

El equipo creativo responsable de ROBOT SALVAJE comprendía el profundo impacto que la música iba a tener en la historia. Sanders consideraba la música como un elemento vital para intensificar la profundidad emocional del film. «Creo que la música es lo más parecido que hay en el cine a la magia de verdad», dice el director. «A la hora de narrar, es una fuerza indiscutible. Al contrario que el diálogo, cuyo impacto a veces puede fallar, la música nunca fracasa a la hora de despertar las emociones deseadas. En ROBOT SALVAJE hemos reservado algunos momentos estratégicos en los que los personajes permanecen en silencio y permitimos que sea la música la que haga avanzar la historia».

Uno de esos momentos es la épica secuencia de la migración, cuando el joven ganso Picobrillo echa a volar. Tanto Sanders como Bowers eran conscientes de que la escena exigía una música potente que ejerciera de catalizador. «Chris concebía la secuencia de la migración con una naturaleza primaria, prehistórica, para recordar al espectador el instinto atemporal de los gansos», explica Bowers. «Yo quería plasmar un triunfante sentimiento de logro, ya que Roz ha cumplido con su deber, al tiempo que le daba un toque agridulce, por la tristeza de la despedida. Como he sido padre recientemente, la analogía de Chris de que la secuencia es como “despedirte de tu hija cuando se independiza” me llegó muy adentro. Chris también transmitió que quería que la secuencia fuera como un tren que empieza a abandonar la estación lentamente, ganando velocidad poco a poco hasta alcanzar un explosivo clímax de sonido cuando Picobrillo alza el vuelo».


EL DISEÑO DE ANIMACIÓN
En una época dominada por el diseño digital, ROBOT SALVAJE destaca como una oda a la artesanía y la innovación en la animación. Comandada por el director y guionista Chris Sanders, la producción de la película mezcla técnicas tradicionales con tecnología de última generación, lo que da como resultado una experiencia cinematográfica visualmente impresionante y profundamente emotiva. Cada fotograma de ROBOT SALVAJE está elaborado meticulosamente, mostrando así una fusión única entre un estilo pictórico y la destreza tecnológica que hace que la película sobresalga en el panorama de la animación actual.

La película presenta a los espectadores a ROZZUM 7134, «Roz», con la voz en VO de Lupita Nyong’o, una robot cuyo diseño y evolución reflejan el compromiso del film por abrir nuevas fronteras y hacer evolucionar el arte de la animación. «Esta película está hecha por mucha gente con talento y cariño», dice Nyong’o. «Cada uno de los fotogramas está elaborado con muchísimo esmero. Han trasladado lo que parece una vieja técnica de animación a un mundo nuevo. Pese a toda la tecnología que hay en la producción, han conseguido que la película parezca un cuadro en movimiento. Puedes notar el cuidado y el tiempo invertidos en su creación, igual que ocurre con una hermosa pintura. Lo que siento cuando veo un cuadro y pienso en las manos que lo crearon, el tiempo que llevó hacerlo y el amor que se le dedicó, es lo mismo que sentí al ver esta película. La saboreé porque merece la pena saborearla».

VISIÓN ARTÍSTICA E INNOVACIÓN VISUAL
· UN ESTILO VISUAL IMPRESIONISTA: El estilo pictórico e impresionista único de la película toma su inspiración de fuentes como Bambi y Mi vecino Totoro, de Hayao Miyazaki, así como de los cuadros impresionistas de Claude Monet, creando así un mundo visualmente rico e inmersivo. La película está dividida en 31 secuencias, y cada una de ellas representa un momento, localización o acción clave en la historia. Un equipo de 15 artistas creó un total de 269 cuadros para estas secuencias.
· TÉCNICAS DE ANIMACIÓN: La película cobra vida gracias a una mezcla de animación tradicional con avanzadas técnicas digitales, captando así la esencia del arte clásico con un giro moderno.
· UNA PALETA DE COLOR EN CONSTANTE EVOLUCIÓN: La paleta de color evoluciona para transmitir los cambios emocionales y los diferentes momentos narrativos.
· UN DESARROLLO VISUAL COLABORATIVO: El esfuerzo colaborativo entre los artistas de desarrollo visual, los artistas de diseños conceptuales y los animadores dio como resultado un lenguaje visual coherente que equilibra el realismo con la expresión artística.
· INFLUENCIAS ARTÍSTICAS: El mundo de ROBOT SALVAJE está situado en un futuro no demasiado lejano, mostrado a través de las escenas en Universal Dynamics, la empresa creadora de ROZZUM 7134. El trabajo del difunto diseñador industrial estadounidense Syd Mead (las películas de Blade Runner, TRON) ha sido una gran influencia para el diseño del mundo humano de la película, caracterizado por las formas limpias, suaves y afiladas, en claro contraste con la cruda y caótica naturaleza salvaje de la isla. El equipo también se inspiró en artistas de la ciencia ficción como John Harris y John Berkey.

EL DISEÑO DE ROZ
El diseño de Roz es el fruto de la colaboración y creatividad de numerosos departamentos. Diseñar a Roz fue un proceso complejo que requirió equilibrar su esencia robótica con elementos orgánicos, reflejando así su crecimiento emocional a lo largo del film. La meta era crear un personaje que despertara empatía y fascinación, al tiempo que mantuviera un alto nivel de funcionalidad y atractivo visual.

A la hora de crear el aspecto de ROZZUM 7134, el diseñador de personajes NICO MARLET aportó su visión artística única en los primeros pasos del diseño de Roz. Mientras el director de arte RITCHIE SACILIOC afinaba los primeros diseños de Roz hasta conseguir el aspecto definitivo del robot, el supervisor de modelado HYUN HUH empleó precisas técnicas de modelado de superficies duras para asegurarse de que el intrincado diseño de Roz conservara la precisión técnica y una integridad unitaria. El responsable de animación de personajes Jakob Jensen se concentró en transmitir las emociones de Roz a través de un lenguaje corporal lleno de matices, inspirándose en la pantomima clásica y la ingeniería robótica. El responsable de aspecto visual Baptiste Van Opstal integró hábilmente técnicas tradicionales generadas por ordenador para enfatizar el contraste entre Roz y su entorno, subrayando así su transformación de forastera a parte integral del ecosistema del bosque. El diseñador de producción Raymond Zibach introdujo la «RozVisión», un sistema que usa iconografía para simbolizar el viaje de Roz de máquina a ser consciente. La supervisora de desarrollo de aspecto visual LISA SLATES CONNORS supervisó la transformación de la apariencia de Roz, de limpia y artificial a pictórica y orgánica.

· UN DISEÑO CAMBIANTE: El diseño de Roz evoluciona a lo largo de la película para reflejar su crecimiento emocional. Su cuerpo pasa de tener unas formas limpias y pulcras a tener arañazos y elementos orgánicos. Según se va integrando en su entorno, empieza a parecerse al propio bosque, y su diseño empieza a ser más como el pictórico paisaje de la película.
· TÉCNICAS DE INSPIRACIÓN: El desarrollo de Roz requirió estudiar ejemplos de robótica de diferentes compañías, e integrar técnicas tradicionales de pantomima de maestros como Buster Keaton y Charlie Chaplin.
· CARACTERÍSTICAS FUNCIONALES: El diseño de Roz incluye un puerto USB, una espátula, una mano prensil, garras para trepar, un brazo multifunción, implantes auditivos, un dedo lanzallamas y un disco duro extraíble que sirve como matamoscas.
· ILUMINACIÓN ADAPTATIVA: Roz está equipada con luces de circulación que se encienden automáticamente en la oscuridad, como los coches inteligentes. Estas luces también esconden mensajes en código Morse; la luz superior transmite «Universal Dynamics», mientras que la luz inferior transmite «7134». El color de la luz de Roz indica su estado: azul cuando habla o está encendiéndose, amarilla cuando tiene la batería baja o rojo cuando hay peligro.
· LA FUSIÓN DE LA ROBÓTICA Y EL MUNDO NATURAL: El proceso de diseño de Roz supuso conceptualizarla como una mezcla de la robótica del futuro con elementos orgánicos, poniendo especial énfasis en su funcionalidad y atractivo visual.
· CONCIENCIA A TRAVÉS DEL MOVIMIENTO: Los animadores exploraron el concepto de conciencia en Roz, estudiando cómo los animales llaman la atención a través del movimiento, y adaptando los movimientos de Roz, haciéndolos menos prácticos, pero más orgánicos con el tiempo, generando así empatía entre quienes la rodean.
· INTERACCIONES CON MATERIALES: Las interacciones de Roz con materiales diversos como el metal, la madera y las plantas se animaron meticulosamente para reflejar la naturaleza adaptativa de la robot y su integración en el medio natural.
· COLABORACIÓN PARA EL DISEÑO DE SONIDO: El equipo de diseño de sonido trabajó estrechamente con los animadores para asegurarse de que los sonidos mecánicos de Roz se mezclaran armoniosamente con los sonidos naturales del bosque.
· TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN AVANZADAS: El equipo de iluminación usó técnicas avanzadas para crear sombras y reflejos realistas en la superficie metálica de Roz.
· LA UNIDAD DE PROCESAMIENTO: La unidad de procesamiento de última generación de Roz se llama Alfa Uno Uno Tres (A-113), un guiño a la clase de animación del Instituto de las Artes de California, donde estudiaron el director y guionista Chris Sanders y la responsable del guion gráfico Heidi Jo Gilbert.

LA ANIMACIÓN DE LOS ANIMALES
· SIMULACIÓN REALISTA DE LOS MOVIMIENTOS: El equipo de efectos de personajes superó los límites establecidos a la hora de recrear movimientos realistas para los animales del film, estudiando grabaciones de referencia y realizando sesiones de captura de movimientos. En total, los artistas crearon 47 especies de animales para la película.
· AL MUSEO EN BUSCA DE CONOCIMIENTOS PARA EL DISEÑO: Integrantes clave del equipo creativo visitaron el Museo de Historia Natural de Los Ángeles para estudiar la anatomía de diferentes animales, y dieron con claves de inestimable valor para el diseño y la animación de los personajes.
· OJOS INNOVADORES: El equipo innovó basando los ojos de los animales en ejemplos reales de la naturaleza, en lugar de los ojos similares a los humanos que se suelen ver en los personajes generados por ordenador.
· EL CINE MUDO COMO INSPIRACIÓN: El equipo de animación se inspiró en películas de cine mudo y se concentró en acciones estilizadas y exageradas, y en la expresión física para transmitir de forma efectiva las emociones de Roz.
· TÉCNICAS DE ANIMACIÓN PARA LAS PLUMAS: Para solventar la compleja tarea de animar a miles de pájaros con millones de plumas en la secuencia de la migración, el equipo usó técnicas para variar los niveles de detalle según la distancia. Con esta estrategia no solo se consiguió una estética pictórica, sino que también se conservó la credibilidad en los primeros planos. En esta secuencia aparece un total de 28.710 gansos, incluidos Picobrillo y Cuellilargo. Además, se crearon nada menos que 102.838.147 plumas.
· EL PELO Y EL MOVIMIENTO PIEL: El equipo no solo recreó el pelaje de los animales, también los movimientos de su piel.
· EL EFECTO MARIPOSA: Cuando vemos a Roz caminar por el bosque mientras explora la isla, se cruza con un árbol cubierto de mariposas. Los equipos de multitudes y efectos crearon 80.000 mariposas solo para ese momento.

LA FOTOGRAFÍA Y LOS EFECTOS VISUALES
· UNA FOTOGRAFÍA ÉPICA PARA LA ISLA: La fotografía de ROBOT SALVAJE hace énfasis en el tamaño y la majestuosidad de la isla, y muestra paisajes enormes, estruendosas olas y etéreas nubes de un estilo similar a un documental.
· EFECTOS VISUALES DINÁMICOS: Se utilizaron efectos visuales avanzados para crear patrones dinámicos de clima, simulaciones realistas de agua y entornos naturales inmersivos.
· UNA INTEGRACIÓN PERFECTA ENTRE ANIMACIÓN Y ACCIÓN REAL: El esfuerzo colaborativo entre los cineastas, los artistas de efectos visuales y los técnicos de iluminación dio como fruto una mezcla perfecta entre grabaciones de acción real y las imágenes generadas por ordenador.