Beowulf es el poema épico más antiguo del idioma inglés que ha llegado a nuestros días. Aunque la adaptación de la película de Robert Zemeckis contiene muchos de los personajes y temas del poema – grandes monstruos y héroes, el eterno conflicto entre el bien y el mal, y una exploración concienzuda de la naturaleza del valor y la gloria – no es desde luego el Beowulf del profesor del Instituto donde usted estudió.

"Francamente, no me atraía nada de lo referente al poema original. Recuerdo que me mandaron leer este poema al comenzar la enseñanza secundaria y no pude comprenderlo porque estaba escrito en inglés antiguo", reconoce Zemeckis. "Fue uno de esos horribles deberes. Después de esto, yo nunca pensé realmente en este poema, nunca consideré que podría ser una historia interesante. Pero cuando leí el guión que hicieron Neil Gaiman and Roger Avary, me sentí cautivado inmediatamente. Les pregunté: ‘¿Qué es lo que hace que esta historia sea tan fascinante cuando el poema me pareció tan aburrido?’ Y la respuesta fue: ‘Bueno, veamos, el poema fue escrito en algún momento entre los siglos VII y XII. Pero la historia se contaba desde algunos siglos antes. Las únicas personas que sabían escribir en el siglo VII eran los monjes. Por lo tanto, podemos suponer que hicieron muchos recortes o revisiones’. Neil y Roger exploraron el texto minuciosamente, leyendo entre líneas, cuestionando las lagunas del material original y volviendo a añadir lo que creían que podían haber suprimido (o añadido) los monjes y por qué. Han conseguido conservar la esencia del poema pero lo han hecho de una forma mucho más accesible al público moderno y de paso han realizado algunos descubrimientos revolucionarios. Esto debería provocar algún debate académico".

Mientras que trabajaba con los escritores del guión para desarrollar más la historia, Zemeckis se convirtió en un estudioso del tema hasta tal extremo que si su profesor de Instituto lo hubiera visto hubiera estado orgulloso de él. "Una vez que me cautivó el guión, volví a leer el poema, hablé con los eruditos sobre el tema de Beowulf y me metí de lleno en la leyenda. Muchos de los temas tratados en Beowulf fueron sacados de la Biblia – el heroico viaje de un hombre, la lucha entre el bien y el mal y el precio de la gloria. Y como verán, Beowulf es la base de todos nuestros héroes modernos, desde Conan hasta Superman y el Increíble Hulk".

"Lo que hace que sea tan atractiva la leyenda de Beowulf es que está inmersa en ese gran mundo épico, mitológico, de acción y aventuras con monstruos y seductoras, criaturas que ciertamente han existido, al menos en nuestro subconsciente, desde tiempos remotos," añade el productor Jack Rapke.

Retrospectivamente, Gaiman y Avary parece que tienen los talentos perfectos para este proyecto. Gaiman, como se detalla en su biografía, "… aparece en el Dictionary of Literacy Biography como uno de los diez escritores post-modernos vivos más importantes y es un prolífico creador de prosa, poesía, películas, periodismo, historietas cómicas, letras de canciones y obras de teatro". En particular, Gaiman es adorado por los fans de sus libros de historietas cómicas por su serie cómica DC Sandman, por la que obtuvo nueve premios de la Industria de Historietas Cómicas Will Eisner y tres premios Harvey; Sandman #19 obtuvo el Galardón World Fantasy en 1991 por el mejor relato corto, siendo la primera historieta cómica que ha obtenido un premio literario.

Avary es igualmente famoso por sus sombríos, tensos e innovadores guiones y películas, incluyendo su guión ganador de un Oscar® para la película "Pulp Fiction," (compartido con Quentin Tarantino), sus influyentes películas de culto como director, "Killing Zoe", ganadora del premio de Cannes très spécial, y la adaptación de la novela de Bret Easton Ellis The Rules of Attraction.

Gaiman y Avary empezaron a colaborar en un principio cuando decidieron trabajar juntos en una versión para la pantalla de Sandman, de Gaiman. Aunque ese proyecto nunca llegó a buen término, ambos reconocieron que eran almas gemelas. Sin embargo, la adaptación del poema Beowulf para la pantalla resultó ser un viaje largo, extraño y al final gratificante para Gaiman and Avary.

"Roger y yo congeniamos durante el proyecto de Sandman. Me gustó mucho Roger y la forma en la que trabajaba su mente," dice Gaiman. "En un determinado momento, Roger me dijo que él siempre había querido convertir Beowulf en una película, pero que nunca había podido encontrar una forma de enlazar los dos primeros actos con el tercero porque su estructura empieza con la lucha de Beowulf, sigue con la lucha de la madre de Grendel y luego avanza 50 años cuando Beowulf lucha con el dragón. Esta no es la estructura normal de tres actos de los guiones de cine. Yo sugerí varias formas que podrían funcionar. Hubo una pausa y Roger dijo: ‘¿Cuándo estás libre?’"

Básicamente, Neil vino con la clave fundamental de una teoría de campo unificada de Beowulf, en la que yo había estado trabajando durante una década." dice Avary. "El poema me ha parecido siempre inconexo, deshilvanado y, en particular, Beowulf nunca me pareció que era el más fidedigno de los narradores. Por ejemplo, Grendel nunca ataca a Hrothgar; solamente le atormenta. ¿Por qué? Esto hizo que me plantease la siguiente sencilla pregunta que por algún motivo nadie se había planteado antes: ¿quién es el padre de Grendel? Esto realmente me intrigaba. Todo el comportamiento de Grendel empezó a tener sentido al examinarlo bajo esta perspectiva. Posteriormente, Beowulf arranca el brazo de Grendel y Grendel sale de su cueva para morir. Después de la represalia de la madre de Grendel, Beowulf entra en la cueva, aparentemente para matar a la madre de Grendel. Y sin embargo sale de la cueva con la cabeza de Grendel, no con la cabeza de la madre, lo cual es realmente desconcertante. Beowulf dice que ha matado a la madre de Grendel, pero es sólo lo que dice. ¿Dónde está la prueba de que ha matado a la madre? Me pareció obvio el hecho de que Beowulf había caído en las mismas tentaciones en las que yo supuse que había caído Hrothgar – las tentaciones de una sirena. Había hecho un pacto con un demonio".

"Luego, en la segunda mitad del poema," continúa Avary, "después de que Beowulf se haya convertido en rey, un dragón le ataca a él y a su reino. No me explico cómo puede encajar esto en el relato. Le expuse a Neil mis teorías, cuando a él se le ocurrió la sorprendente idea de que el dragón podría ser el hijo de Beowulf – su pecado se le vuelve contra él y le atormenta. Repentinamente, las dos mitades de la historia épica de Beowulf, que siempre habían parecido inconexas, encajan y cobran perfectamente sentido. Si hubiera sido una serpiente me hubiera mordido. Es muy posible que estos elementos de la estructura se hayan perdido a través de cientos de años de transmisión verbal, y que además hayan sido diluidos por los monjes cristianos, quienes añadieron elementos del cristianismo cuando lo transcribieron al pergamino que conocemos ahora con el nombre de MS Cotton Vitellius A.xv.".

Gaiman y Avary no son los primeros en darse cuenta de la deshilvanada que es la estructura del poema original. David Wright menciona en la edición de Penguin Classics de Beowulf que "… los primeros críticos y comentaristas de Beowulf y muchos otros críticos posteriores han sido sarcásticos sobre lo deshilvanado que es su argumento. Porque el poema es también una especie de batiburrillo, lleno de fragmentos de la historia de tribus escandinavas y rebosante de referencias desordenadas a acontecimientos y leyendas aparentemente irrelevantes." Wright observa también que J.R.R. Tolkien, creador de El Señor de los Anillos, apreció la fuerza del poema. En su famoso ensayo, Beowulf: The Monsters and Critics, Tolkien observó, entre otras cosas, que, aún cuando Beowulf es un superhéroe en toda regla, es, al fin y al cabo humano, y sus características también humanas contribuyen a su caída. "Es un hombre y esto para él y para muchos es ya una tragedia." Zemeckis vio al héroe de forma similar. "Nuestro Beowulf es un poco más imperfecto, más un héroe humano que un dios. No es un personaje de Thor. Es realmente una persona que tiene muchos defectos, siendo el orgullo desmedido el principal de ellos."

Seguramente, Tolkien no se divirtió tanto como Gaiman y Avary al escribir sobre su personaje principal. "Roger y yo volamos a México y allí estuvimos en una casa que nos dejó un amigo durante una semana," dice Gaiman, "una semana de absoluta locura. Estuvimos rodeados de traducciones de Beowulf, todas las que pudimos hallar, todas ellas diferentes, incluyendo algunas escritas en inglés antiguo en una página y traducidas al inglés actual en la otra página. Cogimos los ordenadores y nos pusimos a escribir como locos. Regresamos a casa con un guión, que Bob Zemeckis leyó e inmediatamente quiso utilizar".

Zemeckis, que con su innovadora película "The Polar Express" inició un nuevo formato que él creó denominado "captación del movimiento", se dio cuenta de que su nueva forma artística se prestaría perfectamente para ser empleada en el "Beowulf" –épico de Gaiman y Avary, un relato poblado de personajes que desbordan la realidad – grandes héroes y demonios – y batallas espectaculares, situado todo ello en una tierra mítica.

"Bob vio las posibilidades de contar este relato con el nuevo estilo que habíamos desarrollado en ‘Polar Express,’" dice el productor Steve Starkey. Una de las ventajas que proporciona la "captación del movimiento", dice Starkey, es que se presta menos atención a la tecnología y más atención a los actores. Se fijan muchos sensores digitales a las caras y a los cuerpos de los actores, utilizando trajes de licra que se adaptan a sus anatomías, para poder "captar" las actuaciones en directo de los actores e introducirlas en un ordenador. Toda la acción tiene lugar en una caja invisible denominada volumen, que se divide en cuadrantes que pueden albergar hasta 40 cámaras. (El volumen es la captación hablada del movimiento para el estudio de sonido y se llama así porque permite que varias cámaras fotografíen las escenas en un espacio tridimensional. La fórmula geométrica clásica de "volumen" es "x", "y" y "z", que representan ancho, alto y largo). Específicamente, un volumen es la zona que enfocan todas las cámaras, dentro de la cual se pueden captar todos los datos de la cara y del cuerpo. Las tomas o "beats" de varias sesiones de captación pueden ser montadas, mezcladas y acopladas y, tal como Zemeckis lo ha demostrado en "The Polar Express," el resultado puede ser un nuevo medio innovador que no tiene nada que ver con el estilo "acartonado" de los dibujos animados ("cartoons") y que se acerca más bien a un calco de la expresión creativa real de los actores y del director.

Ahora, con "Beowulf," Zemeckis estaba preparado para llevar la tecnología al siguiente nivel. "Cuando haces una película con captación del movimiento tienes la posibilidad de hacer dos formas de "casting", una para el movimiento y otra para la imagen o apariencia, lo cual significa que puedes separar realmente la imagen o apariencia de un personaje en la película de la imagen o apariencia personal del actor que interpreta dicho personaje," dice Starkey. "Este es uno de los motivos por los que decidimos hacer la película con este estilo; por ejemplo, nadie en este planeta se parece al personaje que Bob previó para Beowulf ni podía actuar al nivel deseado por Bob para esta película. Beowulf desborda la realidad y no hay ni un solo actor humano que pueda personificar todo lo que Bob vio en este personaje. Por lo tanto, ¿cómo mezclas estos dos aspectos irreconciliables? Eligiendo en un casting al mejor actor posible y creando en el ordenador ese personaje con una apariencia que recuerda a un Cristo de 1,98 metros. Lo mismo sucede con Grendel. Si estuviéramos haciendo un Grendel para una película tradicional, hubiéramos puesto una marioneta de 3,66 metros en el plató creando gráficos de ordenador adicionales. En ese caso, tendríamos el intérprete perfecto, que retrataría todo el sufrimiento y todo el dolor de Grendel pero sin estar limitado por prótesis ni por vestimentas poco confortables. Si hubiéramos rodado esta película de forma tradicional nunca hubiéramos podido hacer todo esto", concluye Starkey.

"Al tratarse de una fábula mitológica, la exigencia de realismo en la fotografía no era tan importante como pudiera parecer," añade el productor Rapke. "Además, reproducir el mundo visual conceptual que previó Bob sería casi imposible en un mundo 2D. El utilizar este proceso nos dio la oportunidad de elegir a cualquiera que considerásemos que era el actor perfecto para cada uno de los papeles. Así pues, para nosotros, esta era la mejor forma de superar algunos obstáculos y de hacer muchas cosas que hubieran sido imposibles en un formato de acción con personajes reales."

Avary añade que la captación del movimiento consiguió la película de la forma que él siempre había previsto y, además, ofreció posibilidades casi ilimitadas.

"Lo más interesante para mí fue que el proceso de captación del movimiento posibilitó realmente que la película se realizase en base al movimiento. Yo siempre la había considerado como una pieza de cámara – se desarrolla en la corte, y hay intrigas entre la gente con sus múltiples relaciones. Yo siempre había deseado que fuera una experiencia emocional totalmente formada. También recuerdo a Bob diciendo: ‘Vamos muchachos, haced todo lo que queráis – cuando Beowulf lucha con el dragón, haced que luche realmente con el dragón.’ No tuvimos ninguna restricción, por lo que Neil y yo pudimos escribir sin las trabas que hubiéramos tenido normalmente en una película," observa Avary.

Aunque Avary había escrito inicialmente el guión de la película con la intención de dirigirla él mismo, finalmente comprendió que el modelo de captación del movimiento de Zemeckis era la mejor forma de llevar sus ideas a la pantalla. Lo que sorprendió y complació a Avary fue que él continuaría participando en el proceso de realización de la película.

"En la mayoría de los demás escenarios de Hollywood me hubieran enviado a un "gulag" en Siberia. Es lo que yo esperaba. Al hacer exactamente lo contrario queda demostrado no sólo lo grande que es Bob como director sino también lo grande que es como hombre. Sin ningún egoísmo, me invitó a unirme al círculo. Se dio cuenta de que Neil y yo teníamos un punto de vista distinto sobre la película y le complació nuestra participación y nuestra aportación en todo momento," explica Avary.


Captando grandes interpretaciones
Esencialmente, la captación del movimiento eliminaba en la ecuación del casting factores como el aspecto, la edad, el color y el sexo. Al elegir Zemeckis a Ray Winstone para interpretar el personaje principal vemos un ejemplo paradigmático de la libertad que proporciona en el casting la captación del movimiento. Inicialmente, Zemeckis no había pensado en Winstone, pero cuando oyó la voz característica del actor se convenció de que había encontrado a la persona idónea para su Beowulf. "Mi esposa estaba viendo a Ray actuar en una adaptación de ‘Enrique VIII’ para la televisión y yo oí su voz y dije: ‘¡Dios mío, esta voz suena como si fuera la de Beowulf!’ Fui a verle y me di cuenta de que tenía mucha fuerza y esa habilidad para sacar la parte animal de su humanidad. Esa es una parte importante de Beowulf – es realmente visceral. Sólo se preocupa de a quién matar, de lo que puede comer o de sacar provecho de alguien. Ray es un sorprendente e impactante actor que tiene la habilidad de sacar ese aspecto primigenio," dice Zemeckis.

Nadie quedó más sorprendido que Winstone cuando Zemeckis le ofreció el papel. "Estaba actuando en Nueva York, con la película ‘Infiltrados’ de Martin Scorsese, cuando me comunicaron que querían verme para que interpretase ‘Beowulf.’ Viajé a Los Angeles para entrevistarme con Bob, y pensé: ‘estoy haciendo un largo desplazamiento para una entrevista de trabajo’, pero lo hice porque estaba convencido de que es un genio. Me preguntó qué pensaba del guión y yo le contesté que pensaba que era el relato de un hombre cuya codicia por el dinero y ambición de poder y fama finalmente le consume. Es un monstruo más grande en muchos aspectos que cualquiera de los demonios a los que se enfrenta. A medida que avanzaba la conversación, me dí cuenta de que no Bob no tenía intención de hacerme una prueba, y de que, en realidad, lo que Bob quería es que yo actuase en la película, lo que me impactó profundamente," recuerda Winstone.

Los elementos de aventura del guión atrajeron a Winstone ya que le ofrecieron la oportunidad de profundizar en un medio que era nuevo para él. De forma sincera, Winstone es el primero en decir: "… yo no sabía nada sobre el poema original. Mis hijos me dijeron que ellos sí sabían algo. Pero (el guión) es una historia fantástica y yo siempre he deseado interpretar a un Vikingo. Lo magnífico de esta técnica (la captación del movimiento) es que permite que alguien como yo, que mido 1,55 metros, y que estoy un poco gordo, pueda interpretar a un rubio Vikingo de 1,98 metros. En principio, este procedimiento me pareció complicado y algo incómodo, pero me chifla poder experimentar cosas que creo que no puedo hacer, así que estuve muy entusiasmado por tratar de hacerlo," dice Winstone.

Un atractivo igualmente importante para Winstone fue el reparto estelar de actores y actrices que Zemeckis había reunido. "Las personas que trabajan en esta película son asombrosas – la lista prosigue. Anthony Hopkins ha sido uno de mis favoritos desde que yo era un niño, y he disfrutado sólo con verle actuar. Yo he actuado con Robin Wright Penn en Londres y es una actriz estupenda, como también lo es Angelina Jolie, a la que conozco desde hace cinco años y es sencillamente fantástica. Y Brendan Gleeson, mi antiguo compañero, con el que actué en "Cold Mountain", Crispin Glover y John Malkovich, son muy inteligentes e ingeniosos. Son excelentes actores, sabía que aprendería algo con un trabajo como éste, sólo trabajando con ellos," dice Winstone.

Zemeckis observa que la captación de la interpretación, además de hacer posible el deseo de Winstone de interpretar a un Vikingo, proporcionó a todos los actores la satisfacción de actuar libres de las exigencias de rodaje de la cinematografía convencional. "Lo que me gusta la captación del movimiento es que permite que el actor proporcione al director esos momentos mágicos, esas cosas que hace el actor y que nunca esperarías que las hiciese", explica Zemeckis. "Tienes un campo abierto en el que el actor puede aportar al personaje lo que quiera porque no se tienen las mismas restricciones que en una película de acción en vivo, con personajes reales.

Los actores están liberados de la tiranía de una película normal – no hay problemas sobre la iluminación, ni sobre la colocación de la cámara, ni sobre los peinados, el maquillaje o el vestuario. Es la interpretación absoluta, y a los grandes actores, como los de esta película, les encanta esto. No es necesario interrumpir la escena para obtener cobertura – nosotros hicimos tomas gran angulares y primeros planos al mismo tiempo. Por lo tanto, los actores dictaban el ritmo de las escenas que rodábamos desde el principio hasta el final, y esto se hizo en la medida de lo posible. Fue como en el teatro, excepto que las escenas se grababan en 3D."

Anthony Hopkins, que interpreta el papel del Rey Hrothgar, observa que la técnica de la captación del movimiento unida al estilo de la dirección de Zemeckis ha contribuido a una atmósfera abierta y relajada que ha ayudado al proceso creativo. "Lo interesante acerca de esta forma de actuar – sin decorados, sin vestuario, sólo con ridículos vestidos con sensores en todo el rostro, es que se puede hacer la escena y todo va muy rápidamente por que no es necesario interrumpirla de la forma en que se hace en una película convencional. Y Robert Zemeckis es un director completamente libre y fácil, aunque tiene una marcada visión y sabe lo que quiere. Rodábamos una escena de cinco o seis páginas entera y después de unas cinco o seis tomas, cuando Bob estaba seguro de que había obtenido las interpretaciones, seguíamos adelante. Así pues mi personaje aparece al principio de la película, quizás en las páginas tres o cuatro del guión, y termina en la página 76, pero yo actué en la película sólo durante unos ocho días, siendo imposible hacer esto en tan poco tiempo en una película tradicional. El primer día estuve algo preocupado pero este procedimiento infunde una gran sensación de libertad, de que todo funciona," dice Hopkins.

El Rey Hrothgar esconde un pasado secreto que reaparece para cernirse sobre él y sobre su reino adoptando la forma del monstruo Grendel. Sin embargo, hasta la aparición del horripilante aspecto de Grendel, Hrothgar lleva una vida estupenda y disfruta de ella; él y su pueblo son despilfarradores y amantes de los festejos, participando en actividades y placeres sensuales siempre que pueden.

"Yo pensé: bueno, Hrothgar es un hombre de su pueblo, y al principio de la película interpreté este papel de una forma abierta y sincera como si fuera un bufón borracho, lo cual fue divertido. También encontré algunos elementos oscuros en él y fui a por ellos: traté de encontrarlos: interpreté el papel de este personaje a otro nivel", explica.

Hopkins, primer actor del reparto, decidió hablar con su acento galés nativo "porque el galés es un idioma que tiene miles de años de años de antigüedad." Zemeckis observa que "hubo largos debates sobre cómo el idioma galés pudo haber surgido del inglés antiguo. Sea como fuera, cuando Anthony decía con su acento galés las maravillosas frases que escribieron Roger y Neil sonaban perfectamente."

La cadencia cantarina de Hopkins fue la pauta para los demás actores. "Todos decidimos adoptar un acento galés," dice Robin Wright Penn, que interpreta el papel de la esposa de Hrothgar, la encantadora y desventurada Reina Wealthow. "Es obvio que la acción de este relato transcurre en Dinamarca pero fue escrita en inglés antiguo y Tony tenía un marcado acento galés de forma natural. Parecía una posición intermedia adoptar el acento galés, en vez de utilizar el inglés tradicional, ya que no se podía utilizar el inglés antiguo porque nadie lo entendería. El diálogo nos sugería poder arrastrar las erres y el acento galés nos permitió hacer esto".

Wright Penn y Zemeckis habían trabajado juntos antes en la película "Forrest Gump", galardonada con varios premios Oscar®." Como en dicha película, "Beowulf" continúa relatando la historia de su personaje durante varias décadas.

"Robin es sutil, maravillosa y real y pone el máximo interés en todo lo que hace como actriz. Aportó madurez a su papel, aunque interpretaba a Wealthow, una muchacha de 16 años. Esta es otra de las ventajas de trabajar con el sistema de captación del movimiento. Robin pudo aportar toda su experiencia a su papel y la técnica permitió que apareciera como una adolescente y que siguiera su saga como persona adulta. Estuvo sencillamente magnífica. Comprendió el tormento y el dolor que le infligía Beowulf y actuó con un realismo que quita el aliento" dice Zemeckis.


Convirtiendo las imágenes de 2-D en 3D
Aunque el proceso digital juega un papel importante para la película, Zemeckis observa que el rodaje tradicional de las películas es todavía la base artística y proporciona su estructura. "Hay un sentido cinematográfico en ello porque yo muevo la cámara de la forma en la que lo haría en una película en dos dimensiones normal. En realidad, cada cámara final la accionan las personas con sus manos, dice el operador de cámara del director de fotografía Robert Presley. Cuando finalmente conseguimos el enfoque que queríamos, conectamos a los ordenadores un sistema de cámara a distancia a los ordenadores y él realmente movía las cámaras digitales con sus manos", observa Zemeckis.

Esta sensibilidad cinematográfica proporciona imágenes realistas a la película, según explica Zemeckis:

"Si usted ve muchas de las películas de dibujos animados que se hacen actualmente, las cámaras están pegadas a los personajes; donde se mueve el personaje, ZIP, allí está la cámara. Esto no proporciona ningún tipo de elegancia. Es simplemente como un clic. Yo denomino esto como clic y arrastre de cámara. Cuando se proyecta una película el público no es consciente de ello, pero la cámara está siempre ligeramente retrasada con relación al sujeto, siempre se mueve poco y algo tarde. La cámara sigue al actor, lo que hace que el espectador se sienta cómodo porque éste no se adelanta a la acción. Esto puede hacer que algún espectador se sienta nervioso e irritado. El espectador se siente como un mirón disfrutando de la escena en directo y los pocos fotogramas de retraso sitúan al público en la zona de confort. Este es otro motivo por el que necesitamos que una persona accione la cámara. Si todo fuera informatizado, no habría ningún motivo para que se produjera el retraso, se trata de un programa informático que puede afinar hasta un milisegundo. Con la coordinación humana de manos y ojos, se produce ese pequeño retraso, esta ligera imperfección que da más sensación de realidad."

Este efímero je ne sais quoi (yo no sé qué) que describe la realización de películas, es un término en idioma extranjero para las personas de la captación del movimiento, como los que forman el equipo de diseño que reúne las tomas en el ordenador. En realidad, tienen su propio léxico críptico, ingenuamente denominado "El Mocabulario".

"Yo me enteré en ‘Beowulf’ que vienen de una disciplina diferente y que tienen una terminología diferente, por lo que todos tuvimos que ir a la misma página. Yo utilizo mucho lenguaje coloquial (argot) adquirido durante los 25 años en los que he estado haciendo películas. Yo diría algo así como: ‘Deslizaremos la cámara’ o ‘Déjalo caer hacia abajo,’ o ‘Lo colgaremos a la derecha,’ o cosas parecidas. Y me mirarían sin saber lo que digo. Así que los llevamos al aparcamiento un día durante el almuerzo y les dimos una lección básica del accionamiento de la cámara en 2-D, y lo que nosotros llamamos tomas diferentes, todas ellas denominadas en lenguaje coloquial (argot). Les mostramos técnicas conocidas que no requerían explicación, como cuando hacemos una toma de ‘traveling’ a la derecha (con una plataforma rodante), y es necesario también hacer un recorrido panorámico desde atrás hacia la izquierda para mantener el sujeto en el encuadre. Definitivamente, nosotros hablamos el mismo lenguaje," dice Zemeckis.

Las disciplinas tradicionales de la realización cinematográfica como el vestuario y el diseño de producción, al no ser utilizadas de la misma forma que en una película convencional, requerían algunos cambios innovadores. El productor Starkey dice: "cuando empecé a hacer películas de esta naturaleza me di cuenta rápidamente que mis fundamentos estaban basados en la realización cinematográfica tradicional. Tanto si se trataba de vestuario como de diseño de producción, yo me sentía mucho más confortable haciéndolo en el mundo real y luego pasándolo al ordenador, en vez de inventarlo en el ordenador. Así que nosotros diseñamos la película como lo haríamos en una película tradicional y luego lo incorporamos al ordenador. Lo complicado de ‘The Polar Express’ fue solucionar cómo teníamos tomar esa información y llevarla de nuevo al plató para nuestros actores. Así que hicimos una labor de investigación y desarrollo y establecimos un complicado sistema que ahora es como el pan de cada día. Lo mismo sucede con el diseño del vestuario. Contratamos los servicios de nuestra diseñadora del vestuario, Gabriella Pescucci, para que crease todo el vestuario y finalmente creó todas las prendas de vestir de la película. Una vez vestidos los actores con sus propios trajes, los escaneamos en el ordenador y obtuvimos la plantilla. Lo mismo hicimos con los peinados y así sucesivamente – incluso escaneamos los cuerpos de los actores en el ordenador como referencias para que se pudieran crear los personajes definitivos en el ordenador. Todo procedía de un fundamento real, como oposición a los conceptos abstractos del ordenador."

La única ruptura con la realidad fueron las criaturas míticas y demoníacas que aterrorizan y atraen a los desventurados humanos. "Para confeccionar una criatura que no existe en este mundo como, por ejemplo Grendel, tuvimos que partir de cero, construyendo una escultura en miniatura, que fue escaneada en el ordenador y fue la base para la confección de la criatura. Lo mismo hicimos con el dragón – empezamos con la imagen física más aproximada que existe y continuamos desde allí," explica Starkey.

Zemeckis dice que esta película es una mezcla de la realidad y de la fantasía que es peculiarmente apropiada para un relato como el de "Beowulf." Es una especie de híbrido interesante. Es fotográficamente muy real, pero no es completamente real. Y creo que lo que esto hace es que nos permite poder contar historias que son algo reales pero no completamente reales y les da definitivamente la paleta de colores adecuada para contar historias que desbordan la realidad, historias que son míticas. Y esto es interesante, cuando se piensa hacer una película como ‘Beowulf’, la forma foto-realista convencional; te viene una comprensión cuando piensas: ‘Hmm, no estoy seguro. Actores interpretando, con espadas de plástico que se supone que han de ser de acero.’ Hay algo acerca del gusto de los modernos espectadores que asisten a las salas cinematográficas y pienso que esto tiene que ver con el hecho de que estamos muy rodeados de imágenes digitales procedentes de la televisión, del ordenador o de videojuegos. Como realizadores cinematográficos, tenemos una nueva paleta visual para contar estas historias. Y pienso que nos estamos acercando con lo que estamos haciendo aquí con ‘Beowulf.’"


Una corta historia de Beowulf
Los acontecimientos de Beowulf, que es un solo poema que consta de 3.000 líneas, acontecen en el siglo VI – basados en la mención de una batalla de la cual existe evidencia corroborada. Aunque la mayor parte de los acontecimientos transcurre en Dinamarca, esta historia fue contada por los anglosajones del norte de Inglaterra doscientos años después de los acontecimientos. Los anglosajones no se sentían británicos, pero como los Vikingos y todos sus héroes procedían de Escandinavia.

Se desconoce quien fue realmente el autor de Beowulf. El poema original fue escrito sobre hojas delgadas de cuero pulido. Luego fue copiado dos veces durante el período posterior de doscientos años. Alrededor del año 900, fue recogido en un volumen que también contenía la historia de San Cristóbal, una colección de anécdotas extravagantes sobre el Lejano Este, una carta supuestamente de Alejandro Magno y un poema sobre la heroína bíblica Judith.

Este volumen fue parcialmente destruido por un incendio en The Cotton Library, la mayor colección literaria de la Edad Media, el 23 de octubre de 1731. No sólo resultó chamuscado dicho documento, sino que la reputación del poema también sufrió durante los siguientes años. Escrito en inglés antiguo, se consideró que era confuso por su mezcla de temas paganos y cristianos y se vio como imperfecto. Estructuralmente se consideró que tenía defectos porque tenía tres antagonistas en lugar de uno, el último de los cuales estuvo distanciado medio siglo separado de los otros dos.

Además, Beowulf no rima; en vez de esto alitera. No hay ningún pentámetro yámbico porque, para los cuentistas anglosajones, no importaba cuántas sílabas tuviera una línea siempre que fuera corta y que tuviera tres aliteraciones. En comparación con las antiguas obras maestras como La Odisea de Homero y Eneida de Virgilio, Beowulf parecía sencillamente poesía mala. Y lo que es peor, su heroismo y moralidad estaban centradas en un hombre que luchaba contra monstruos. Los eruditos no podían tomar en serio un poema sobre gnomos y dragones.

No fue hasta el siglo XX cuando Beowulf fue examinado de nuevo nada menos que por J.R.R. Tolkien, el autor de The Hobbit y El Señor de los Anillos. En su ensayo de 1936 “Beowulf: El monstruo y los críticos,” Tolkien escribió que el problema que todos habían tenido con Beowulf no tenía nada que ver con su calidad, sino más bien con el hecho de que estaba siendo comparado injustamente con Homero y con Virgilio. Beowulf no se adaptaba a las reglas de la poesía épica creada por los antiguos griegos y romanos porque era un cuento escandinavo con su propia y específica métrica – ni mejor ni peor, simplemente diferente. Y contrariamente a lo que opinaba la mayoría de eruditos anteriores a él, Tolkien reivindicó que el intervalo de 50 años entre la lucha con la madre de Grendel y la batalla con el dragón era exactamente lo que confería al poema su merecida grandeza. Tolkien escribió: Beowulf, no es la historia de un joven héroe que triunfa sobre los monstruos, ni tampoco de un viejo rey que muere intentando matar un dragón, sino que más bien es una aunión de cuentos sobre un hombre que una vez fue era joven e insensible y caminaba a sabiendas hacia su propia muerte trágica. Son precisamente esas dos mitades lo que hace que la historia sea buena.

Sin el nuevo examen de Tolkien, Beowulf hubiera continuado siendo un oscuro texto que sólo hubieran leído los doctorandos en literatura inglesa medieval. Actualmente se lee con profusión en los institutos de segunda enseñanza en todo el país. Tolkien no sólo hizo renacer la reputación del poema sino que lo imitó en sus propias obras. El capítulo de Las dos torres, "El Rey de la Sala Dorada", esstá sacado del comienzo de Beowulf. El dragón que escupe fuego de Beowulf, que se enfurece después de que un ladrón le ha robado su tesoro, ha sido remedado en el climax de The Hobbit.

Otros escritores han utilizado el poema en su propia literatura. El autor John Gardner escribió en 1971 la popular novela Grendel, una reflexión filosófica por el monstruo sobre lo azaroso de la vida. Michael Crichton, famoso por Parque Jurásico, tomó todos los monstruos del cuento y escribió una fantasía de acción histórica titulada Eaters of the Dead.

"Extraído del ensayo de Jason Tondro, Doctor en Historia, edición número 3 de la serie de libros cómicos BEOWULF de IDW Publishing"