"Tetro" es el primer guión original de Francis Ford Coppola en más de 30 años. La película es un drama poético sobre una familia desgarrada por rivalidades profundas, secretos y traiciones.

El barrio bohemio La Boca, uno de los más antiguos de Buenos Aires, sirve de fondo para "Tetro". Sus primeros pobladores fueron, mayoritariamente, inmigrantes italianos, y en él han nacido muchos cantantes, músicos, poetas y pintores importantes.

Coppola llevó a cabo una larga búsqueda para el protagonista de la película y finalmente encontró al apasionado e imaginativo actor y director estadounidense, Vincent Gallo ("Arizona Dream", "Buffalo 66", "The Brown Bunny"). Tetro es un escritor que vuelve a Buenos Aires después de huir de una truculenta historia familiar vinculada específicamente a su dominante padre, Carlo Tetrocini, un director de orquesta famoso, interpretado por Klaus Maria Brandauer ("Mephisto", "Memorias de África").

"Tetro" comienza con la llegada de Bennie a Buenos Aires desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor, Tetro, al que vio por última vez a la edad de siete años. Ahora, justo antes de cumplir 18 años, Bennie se niega a marcharse de Buenos Aires sin descubrir por qué se fue su hermano y nunca volvió a por él, tal y como prometió. Al llegar al apartamento humilde de su hermano, conoce a Miranda, la novia de Tetro, interpretada por la actriz española Maribel Verdú ("Y Tu Mamá También", "El laberinto de El Fauno"…) y se encuentra que la calurosa acogida que pensaba encontrar de Tetro no es tal.

La historia de Bennie representa un paso hacia la madurez. Lucha entre la imagen romántica e idealizada que tenía de su hermano como artista de éxito y la realidad de la persona agresiva y atormentada que ha encontrado en Buenos Aires. Tetro es un poeta melancólico, que posee un gran talento pero también una gran tristeza. Parece que siempre ha vivido a la sombra de otra persona más fuerte, alguien que ha coartado su desarrollo. Esta historia sobre la competencia y las rivalidades entre los varones de la familia combina elementos clásicos de la tragedia griega, especialmente en cuanto a las vicisitudes de la vida cotidiana. También habla de la necesidad de "destruir" la figura del padre, que representa la crueldad y la opresión, y dejar atrás el pasado para cumplir con el destino propio.

El papel de Bennie lo interpreta Alden Ehrenreich, un actor novel que después que llamar la atención de Fred Roos, productor ejecutivo de la película, tuvo que abandonar sus estudios en el Instituto en Los Ángeles para participar en el rodaje.

El elenco internacional incluye también a Carmen Maura ("Volver", "Mujeres al borde de un ataque de nervios", …), conocida tanto por su labor como actriz, como por ser una de las musas de Pedro Almodóvar; y la actriz italiana, Francesca De Sapio, que había colaborado anteriormente con el director en "El padrino: Parte II".

Para los papeles secundarios, Coppola ha elegido a algunos de las más conocidas estrellas argentinas del cine, el teatro y la televisión, como Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, Mike Amigorena, Sofía Castiglione y Erica Rivas.

Para la realización de "Tetro", Coppola volvió a contar con los colaboradores de su anterior película, "Juventud sin juventud", el director de fotografía Mihai Malamaire Jr.; el compositor argentino Osvaldo Golijov; el montador Walter Murch, y los productores ejecutivos Anahid Nazarian y Fred Roos.

El rodaje tuvo lugar entre Argentina y los Estudios de Ciudad de la Luz en Alicante, con técnicos tanto argentinos como españoles.


Notas del director
"Desde joven, quería escribir historias. Al principio me imaginaba como dramaturgo, y a los 17 años gané una beca en Dramaturgia y estudié Arte Dramático en la Universidad. Pero creo que a esa edad las habilidades críticas están más desarrolladas que la creatividad, así que me sentí desolado por mi falta de talento. Me convertí en el "tipo técnico" para las producciones universitarias y al trabajar con los técnicos allí arriba colocando las luces del teatro miraba al director abajo trabajando con los actores y pensé: "Yo puedo hacer eso". Mi cambio a la dirección fue un éxito y enseguida me convertí en el director más reclamado de la Universidad de Hofstra. Pero el triunfo no aliviaba el dolor que yo sentía por mi falta de talento como escritor. Posteriormente y después de ver la película muda "Octubre" de Sergéi Eisenstein, decidí cambir de actividad y solicité una plaza en la Escuela de Cine de la Universidad de California en Los Ángeles y comencé un Máster en Cine.

Descubrí que después de muchos años de intentar ser escritor, de pasar horas trabajando en las historias, obras de teatro y guiones, el esfuerzo daba sus frutos y se me daba mejor. Un poco mejor. Eso me aportó una ventaja sobre otros estudiantes, y mi experiencia en el teatro también. Finalmente, a la edad de 27 años mi guión "Pilma, Pilma" fue premiado, y empecé a sentirme escritor de verdad. Ya sabía cuál iba a ser mi carrera. Antes de cumplir 30 años, ya estaba trabajando en guiones como "Llueve sobre mi corazón" y "La conversación", basados en parte en experiencias que había tenido u observado a lo largo de mi corta vida, y pensé que sería un escritor-director como algunos de los auteurs. En 1960 se estrenó "La dolce vita" y después de ver la obra más misteriosa de Antonioni, ya estaba seguro de que quería seguir sus pasos, trabajando en guiones originales. Así imaginaba mi vida. Escribir historias, hacer guiones y después dirigirlos. En concreto, quería escribir un drama parecido a los que había disfrutado de joven, algo emotivo y personal como "La Ley del silencio" de Elia Kazan o cualquier cosa de Tennessee Williams. "El Padrino" cambió todo eso, y antes de que me diera cuenta había llegado más lejos de lo que jamás habría podido imaginar y sí: escribía los guiones además de dirigir (y producir) las películas, pero no era lo que había pretendido. Lo que yo quería era escribir guiones "originales".

Con el paso del tiempo, bien porque cambié yo o cambió 'la industria del cine', llegué a cuestionarme el deseo de seguir y no hice ninguna película durante muchos años. Por supuesto que me di cuenta que las películas tienen que ser entretenidas, igual que las obras de teatro, pero me echaba atrás que las películas fueran siempre iguales, con una gran falta de aventura y una cantidad ingente de remakes y segundas y terceras partes –basadas en películas antiguas, los cómics, hasta los programas de televisión. O en el mundo de los editoriales, parecía que no había novelas nuevas, tan sólo nuevos 'bestsellers.' Estaba claro que las cosas habían cambiado y no acababa de encontrar mi lugar. Tampoco tenía mucha idea de cómo financiar ni distribuir la clase de películas que quería hacer, aunque lograra reunir los recursos necesarios para seguir escribiendo. Finalmente decidí que "Juventud sin juventud", una película más personal pero basada en una novela existente, sería una forma de volver a la faena. Sabía que la experiencia me iba a preparar para escribir una historia original y producir una película con el mismo estilo y presupuesto de producción que "Juventud sin juventud".

Ya tenía un fragmento de una idea de lo que finalmente sería "TETRO". Eran tan sólo un par de páginas de notas que había escrito hacía tiempo. La historia trataba sobre un hermano menor que busca al hermano mayor que había abandonado a la familia enfadado, afirmando que no quería volver a verla nunca más. Quería que la película tuviera lugar en una ciudad extranjera, y elegí Buenos Aires porque pensé que me gustaría vivir y trabajar allí. Me gustaba la música, la comida y la cultura. Así que tomé ese pequeño fragmento de una historia, la ubiqué en Argentina, y me puse a escribir el guión mientras montábamos "Juventud sin juventud". Para cuando la terminamos, ya estaba preparado para seguir adelante con una nueva película.

Comenzamos el rodaje el 28 de marzo y duró 13 semanas con un elenco y equipo técnico predominantemente argentinos. Participan también dos actores estadounidenses, Vincent Gallo y Alden Ehrenreich; dos grandes actrices españolas, Maribel Verdú y Carmen Maura; una actriz italiana, Francesca De Sapio, y el conocido actor austriaco Klaus Maria Brandauer. El resto del elenco secundario era argentino.

Me encontraba a gusto con nuestro equipo porque, como muchas personas del mundo, hablaban inglés y los que no, hablaban italiano o español. El lenguaje del cine y el teatro es universal, tanto si uno trabaja en la industria cinematográfica china o italiana: hay un cierto lenguaje que habla todo mundo que trasciende el idioma materno que tenga cada uno. Al principio, muchos de los papeles que había escrito para actores argentinos eran menores pero admiraba tanto a los actores que amplié sus papeles.

Decidí colaborar con el mismo equipo con el que trabajé en "Juventud sin juventud", el joven director de fotografía Mihai Malamaire Jr., el compositor argentino Osvaldo Golijov, el editor Walter Murch y los productores ejecutivos Anahid Nazarian y Fred Roos.

Un guión original tiene temas que sacas de tu propia vida y cualquier cineasta, a lo largo del proceso de hacer una película, llega a una mayor comprensión de aquellos temas, aunque todavía te pueden faltar algunas respuestas. En "Tetro", el tema principal trata de la rivalidad entre los varones de una familia artística: el padre, dos hermanos, los tíos y los sobrinos que intentan, cada uno a su manera, expresar sus talentos y personalidades. El hecho de que sea una rivalidad entre la familia, es decir, entre personas que se quieren, lo hace complicado y dramático.

Aunque la historia de "Tetro" tiene poco que ver con la historia de mi propia vida, todos los personajes encarnan partes mías. Escribí una historia completamente ficticia que sin embargo se nutre de memorias de mi familia. Posee una gran influencia de las películas y obras de teatro que admiré cuando estudiaba arte dramático y era aspirante a dramaturgo. En la tradición teatral de "Sweet Bird of Youth" o "Cat on a Hot Tin Roof" de Tennessee Williams, o incluso de "Desire Under the Elms" de Eugene O'Neill, la figura del padre en "Tetro" es, en cierto sentido, un padre "bíblico", cruel y dominante, alguien que tendrá que ser destruido para que sus hijos sobrevivan. Desde los comienzos del tiempo e incluso en el reino animal, todos hemos estado en competencia con los hombres más poderosos de la familia. Mi propio padre no era así, era bondadoso e inspirador, pero porque era brillante y algo vanidoso, sólo era cuestión de dar unos cuantos pasos más para convertirle en un monstruo.


Desde el momento en que concebí esta película, la imaginaba en blanco y negro. Al tomar forma la historia, decidí que las escenas del pasado serían en color. Quería que se rodara de esa manera porque se ve muy raramente blanco y negro en las películas contemporáneas, y siempre me ha parecido que hay algo único en la imagen sin color, ciertamente en la iluminación. Recuerdo las películas de Akira Kurosawa en Cinemascope blanco y negro, además de las películas de Elia Kazan y Robert Bresson. A mi modo de pensar asocio el blanco y negro con un cierto tipo de drama poético.

Aunque se puede mirar a mi propia familia para iluminar los temas de la película, lo más probable es que estos temas sean interesantes para cualquier familia, porque esa clase de rivalidades existen en todas. Siempre he creído que, si te vas a involucrar en todo el trabajo que requiere hacer una película, ésta tiene que revelar algo de tus propios pensamientos y emociones, y mostrar lo que realmente eres".

Francis Ford Coppola


Estilo visual de la película
"Rara vez tengo la oportunidad de hacer películas en blanco y negro", dice Coppola. "Necesitan una filosofía de iluminación muy diferente, ya que no se dispone del color para separar las distintas capas dentro del fotograma. Como anteriormente había colaborado con Mihai Malamaire en color, pensé que ambos disfrutaríamos con este nuevo desafío".

Coppola sólo había hecho una película anterior en blanco y negro: "Rumble Fish" (1983). Basada en la novela de Susie Hinton, "Rumble Fish" narra la historia de dos hermanos. Rusty James (Matt Dillon) es un adolescente que consigue popularidad gracias a la fama de su hermano, el enigmático y carismático "Motorcycle Boy" (Mickey Rourke). Rusty James sueña con ser como su hermano y volver a los días en que las pandillas callejeras lo eran todo. Después de que se revelen algunos secretos sobre su madre, los hermanos deciden cambiar sus vidas definitivamente. "Me gusta el hecho de que Rumble Fish tenga, en cierta forma, una conexión espiritual con Tetro. Así que pensé que sería perfecto si se rodaran las dos en blanco y negro", afirma Coppola.

Coppola decidió basar el estilo visual de la película en blanco y negro en las obras maestras que tanto admiró siendo estudiante. "Mihai y yo vimos muchas bellas películas juntos, estudiando los estilos de "La Notte" (1961) de Michelangelo Antonioni, "Baby Doll" (1956) y "La Ley del Silencio" (1954) de Elia Kazan. De aquellas películas, elegimos un estilo muy contrastado y vívido en blanco y negro".

Elia Kazan (Estambul 1909–Nueva York 2003) es recordado como unos de los directores más influyentes de los años 50 y 60. Sus primeras películas eran obras de teatro montadas con pericia firmemente arraigadas en la experiencia teatral del director. Comenzando por "Panic in the Streets" (1950) y "La Ley del Silencio", Kazan adoptó una nueva sensibilidad visual basada en un realismo definido por composiciones cuidadosamente estudiadas, la colocación de las masas, la angulosidad y el uso del claroscuro.

Como "Rumble Fish", "Tetro" también tiene partes en color. En la película, los flashbacks fueron rodados en un "color así desgastado, como el color de las películas caseras", dice Coppola. "También está el hecho de que se rodara en wide screen. Kurosawa utilizó el blanco y negro y wide screen en sus películas. Todos aquellos grandes creativos cineastas amaban el blanco y negro. Mihai y yo también utilizamos una idea con la que experimentamos en "Juventud sin juventud", una cámara que rara vez se mueve. En el noventa por ciento de "Tetro", la cámara está estática. Creo que la mezcla de wide screen y un estilo en blanco y negro muy contrastado con ocasionales irrupciones de color aporta un impacto añadido a la película".


Filmografía del director
Tras una vida colorida y turbulenta repleta de triunfos y calamidades, Francis Ford Coppola vuelve ahora a las aspiraciones de su juventud: escribir y dirigir películas que tengan un sentido personal.

Considerado como uno de los artistas cinematográficos más respetados de la suya o cualquier otra generación, Coppola también ha soportado derrotas aplastantes y la tristeza más desgarradora. Su acopio de honores está repleto de premios Oscar, Globos y Palmas, además de Premios de las Asociaciones de Guionistas y Directores. Y sin embargo, también conoce lo que se siente a romperse un sueño en mil pedazos. En 1983, abandonó Zoetrope Studios, el estudio afincado en Hollywood que se esperaba fuera el líder del cine estadounidense, llevando el cine americano a un siglo XXI tecnológicamente vibrante. Las dificultades financieras posteriores llevaron a años de "trabajar contratado", el término desdeñoso y legal para los que sirven al antojo de otros. Para un hombre orgulloso e independiente, eso significó dirigir películas en ambientes corporativos, sobre las que no tenía derechos de titularidad. Eligió proyectos que despertaban su imaginación a la vez que fuera pagando sus deudas, y construyó negocios alternativos para proveerse una seguridad financiera duradera para su familia y para él.

Pero al llegar el nuevo siglo habiendo cumplido con aquellos desafíos, Coppola nuevamente tomó una decisión poco ortodoxa: reclamar la libertad de expresión de la ética de sus años tempranos y hacer películas de presupuesto modesto, lejos de los platós de Hollywood, con un pequeño equipo y actores con un compromiso apasionado. "Juventud sin juventud" es el primero de estos proyectos.

Nació el 7 de abril de 1939 en Detroit, Michigan. Coppola es descendiente de emigrantes del sur de Italia dotados para la música, que emigraron a Nueva York a principios del siglo XX. Su abuelo materno, Francesco Pennino, componía canciones y su padre, Carmine, era el flautista principal de la sinfónica de la NBC bajo la batuta de Toscanini y un compositor ganador de un Oscar. Coppola toca la tuba y el bajo de cuerdas modestamente, aunque podría haberse dedicado a la música si no fuera porque padeció la polio a la edad de nueve años, lo que le mantuvo en la cama durante más de un año. Durante este período, desarrolló un interés en los cómics, los títeres y los ventrílocuos, y empezó a hacer películas de 8 mm cuando recobró la salud. Fue perdiendo su afición al cine durante la adolescencia al trasladarse su familia de casa en casa para acomodarse al trabajo de su padre pero de nuevo encontró almas afines en el Instituto de Great Neck y en la Universidad de Hofstra, donde sus aportaciones sobresalientes al arte dramático le valieron el honor más preciado de la Universidad, el Premio Beckerman. Después de graduarse en 1959 como Licenciado en Arte Dramático, se matriculó en la Universidad de California de Los Ángeles (UCLA) para hacer un Posgraduado en Cine.

El instinto inequívoco de Coppola para avanzar en su carrera le llevó a colaborar como aprendiz con Roger Corman en New World Pictures. Después de varias colaboraciones en películas de género de bajo presupuesto, Corman le permitió dirigir una película basada en su propio guión, "Dementia 13". Durante aquella época, conoció a Eleanor Neil, con la que se casaría más adelante.

En 1962, el guión que Coppola escribió siendo estudiante, "Pilma Pilma", ganó el Premio Samuel Goldwyn en UCLA. Después, comenzó su carrera profesional en serio cuando sus adaptaciones de "Reflections in a Golden Eye", "This Property Is Condemned", y "Is Paris Burning?" fueron producidas, con lo que se convirtió en un guionista muy solicitado. También escribió un guión sobre George Patton basado sustancialmente en "Ladislas Farago’s Patton: Ordeal and Triumph". En 1970, "Patton" ganó 7 Premios Oscar, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Guión Adaptado, compartido por Coppola con Edmund H. North.

Su segunda película, "You’re a Big Boy Now" (1966), le sirvió como Tesis para el Máster de Bellas Artes y fue su primera aparición en el Festival de Cine de Cannes, donde más tarde sería aclamado, ganando dos veces la Palma de Oro por "La conversación" (1972); y "Apocalypse Now" (1979). Dirigió a Fred Astaire y Petula Clark en "Finian’s Rainbow", una adaptación del musical de Broadway, seguido por una obra original, "Llueve sobre mi corazón". Al llegar a finales de los años 60, Coppola tomó dos decisiones importantes. Ya era padre de dos hijos, Gian-Carlo y Roman, y se trasladó con su familia a San Francisco, donde fundó con George Lucas una productora independiente, American Zoetrope. Los dos primeros largometrajes de Lucas, "THX 1138" (1971) y "American Graffiti" (1973), fueron producidas por la sociedad. Pero la empresa requería una atención constante y en 1970 Coppola aceptó el encargo de dirigir una película de gánsteres basada en el bestseller de Mario Puzo, El padrino. Sus batallas con los ejecutivos de la Paramount son ya legendarias. "El padrino" fue un exitazo y cambió el rumbo de su carrera. La siguió "El padrino, Parte II", que repitió el éxito la primera. A estas películas se les atribuye el cambio en la opinión de la industria cinematográfica de que hacer segundas y terceras partes sea algo respetable, además de generar unos beneficios enormes. "El padrino, Parte III" (1990), hecha casi 20 años después, continuó la tradición.

Entre las dos primeras películas sobre gánsteres, Coppola hizo "La conversación" (1974) basada en un guión original propio. Es un cuasi-thriller fuera de lo común sobre las escuchas electrónicas y la responsabilidad que ello conlleva. Ha perdurado como una de sus películas más admiradas e influyentes.

En 1976, Coppola comenzó el rodaje de "Apocalypse Now", financiando la película sobre la Guerra de Vietnam él mismo. Todo lo que podía salir mal, salió: el protagonista Martin Sheen padeció un ataque de corazón; el coprotagonista Marlon Brando se presentó terriblemente obeso; un tifón destruyó los decorados. Se paró el rodaje, después volvió a comenzar, y el presupuesto se disparó, retrasándose el estreno hasta 1979. En cuanto al estilo, "Apocalypse Now" era tan inusual, sobre todo para ser una película bélica, que los críticos tenían opiniones divididas. Sin embargo, la taquilla fue tremendamente exitosa. "Apocalypse Now" ha llegado a ocupar un lugar muy especial en la historia del cine estadounidense, influyendo a dos generaciones de directores por todo el mundo. En 2002, cuando Coppola añadió metraje a una nueva versión conocida como "Apocalypse Now Redux", los críticos la acogieron eufóricos.

Los años 80 supusieron un cambio radical en la trayectoria profesional de Coppola. Deseando más independencia, además de una instalación electrónicamente más moderna para hacer cine, compró Hollywood General Studios en Las Palmas y lo denominó "Zoetrope Studios". Comenzó inmediatamente la producción de "Hammett", dirigida por Wim Wenders, y poco tiempo después la de "One From the Heart", un musical innovador. Pero sobrecostes y peleas con las distribuidoras dieron pie a una avalancha de publicidad negativa que dañó la recepción de las dos películas. Después Coppola hizo dos películas de jóvenes basadas en Oklahoma, "The Outsiders" y "Rumble Fish". Aunque "The Outsiders" tuvo bastante éxito a nivel comercial, no fue suficiente para satisfacer las deudas del estudio. La titularidad de la instalación pasó a manos de los acreedores, y Coppola volvió al norte de California.

La segunda mitad de los 80 constituyó un período de evaluación y regeneración. Coppola y Eleanor encontraron consuelo al ayudar a educar a la hija de su hijo fallecido, Gian-Carla. Se expandió su bodega de Napa Valley y Coppola dirigió cuatro largometrajes. Al comienzo de la nueva década, Coppola se encontró nuevamente en el candelero. "El padrino, Parte III" (1990) obtuvo siete nominaciones a los Oscar, incluida una para él como Mejor Director. "Drácula" (1992) recibió cuatro nominaciones al Oscar, ganando los de Mejor Vestuario, Mejor Montaje de Efectos Sonoros y Mejor Maquillaje. En "Jack", colaboró en una producción de Disney y Robin Williams en busca de un director. Tenía muchas ganas de trabajar con Williams, al considerarle un genio. Con "The Rainmaker", protagonizada por Matt Damon, conoció a una nueva generación de actores y consiguió una buena taquilla.

Ahora Coppola estaba preparado para hacer su proyecto soñado, "Megalópolis", basado en su guión original. Era una historia optimista, hasta idealista, sobre la creación de una Utopía actual en medio de Manhattan, ambiciosa tanto por el tema como por el alcance. Requería estrellas y financiación de terceros. Aunque el guión no estaba del todo terminado, él quería hacer un rodaje preliminar y estuvo en Brooklyn con un cámara aquel día de septiembre en 2001 cuando ocurrió lo de las Torres Gemelas. "De repente, el mundo estaba devorándose", recuerda. La nueva realidad distópica hacía necesaria que volviera a escribir gran parte de "Megalópolis". Lo hizo sin acabar de quedar satisfecho. Asimismo, le desalentaban los cambios incesantes de la Industria del Cine que relegaban el drama a la pequeña pantalla. Coppola estaba perplejo y dudaba de su rumbo hasta que en 2005 leyó "Juventud sin juventud", una alegoría sobre un profesor mayor que vuelve a ser joven gracias a un rayo. Se alegró. "Esto lo puedo hacer", dijo. Y así hizo.