La amistad entre la industria de la música y el juego
Un videojuego sin música es como una película sin banda sonora, no generaría las mismas emociones. De allí nace la estrecha amistad entre ambas industrias – la musical y la de los juegos de video.
Para nadie es un secreto que el cine y los juegos comparten una infinidad de características, entre ellas que ambas dependen de una narrativa, la fotografía, los avances de la tecnología, y por supuesto los efectos musicales.
De la misma forma, la evolución de la música y las bandas sonoras en los videojuegos siempre ha buscado llevar el ritmo de las crecientes innovaciones de la industria, teniendo como objetivo principal la armonía entre las escenas y narrativa del juego con el estímulo auditivo.
A fin de retratar la profundidad de esta relación entre ambas industrias, el presente artículo da una mirada a la historia y evolución de ambas en las últimas décadas.
Un poco de historia entre la música y los juegos
A finales de los años 70 comenzaron a aparecer los primeros videojuegos. El primer sonido que se escuchó en 1972 fue el del juego Pong, donde la música provenía de unos chips sintéticos que generaban el sonido “chiptune” - un subgénero que dejaba a un lado los pitidos simples y monofónicos como los que ofrecía PacMan o de los primeros juegos que salieron al mercado y que luego crecieron en popularidad como los de la consola Atari.
Las limitaciones para esta época no eran pocas e iban desde el costoso almacenamiento en medios físicos hasta los derechos de autor, ya que algunas composiciones eran de propiedad privada. Por otro lado, vale la pena recalcar que la capacidad del hardware en aquella época era bastante limitada.
La evolución de 8 a 16 bits fue un gran avance, ya que la música chiptune se codificaba a través de unos trackers que cumplían la función de lo que hoy puede ser un programa o software de edición. Luego debía ser programada a través de re-players utilizando un lenguaje muy sencillo para poder reproducirlo en el videojuego.
Con el paso de los años y el desarrollo de las tecnologías, las bandas sonoras presentes en los juegos eran cada vez más interesantes y dinámicas y cada sonido buscaba comunicar un mensaje al jugador.
Para los años 80 ya existían procesadores de audio más avanzados por lo que los compositores empezaron a utilizar estas herramientas para mejorar la experiencia de juego. Tal es el caso de Yuzo Koshiro quien fue nombrado como el primer “rockstar” de la música para video juegos.
Este japones fue el responsable de la banda sonora de Street of Rage, el popular videojuego de SEGA lanza a principios de los 90 y que se complementó con una mezcla de ritmos electrónicos tipo tecno y house, rompiendo los estándares y moldes del mundo de los videojuegos para esa época.
Sin embargo, la poca memoria de algunas consolas conllevó a la repetición de algunas composiciones durante el transcurso entero del juego. Estas pasaron a convertirse en clásicos como es el caso de la banda sonora de Super Mario Bross creada por Koji Kondo.
El fundador de la empresa española de videojuegos llamada Relevo, explicó que hoy en dia existen excelentes composiciones que usan los “chiptune” antiguos como base para complementar las composiciones más complejas que acompañan los títulos de las consolas en 3D.
Relevo estuvo a cargo de la creación de un videojuego para las consolas de Play Station 4 y PS Vita llamado Baboon! Donde el japones Hideyuki Fukasawa fue el creador de la música. Fukasawa también fue responsable de varios números de la saga de lucha Street fighter.
Mas adelante, en 1984 una compañía discográfica llamada Yen toma la batuta lanzando el primer disco de música para videojuegos en los que se incluyen los siguientes: Pole Position, New Rally X, y Xevius. Acto siguiente, en el año 2002 la marca EA Trax dice presente para crear las bandas sonoras de los populares juegos de Electronic Arts (EA) y, 8 años mas tarde, el lanzamiento del PlayStation 5 trajo consigo el audio 3D.
El impacto de los efectos musicales en los juegos
La música en los videojuegos puede ser usada para enfatizar un movimiento, una señal, el final de una escena, un momento de emoción, o una situación de clímax que te lleva a adentrarte aún más en el escenario virtual del título que estés jugando.
En definitiva, son indispensables para profundizar la experiencia de juego. En el caso de los slots en línea o cualquier juego de casino, se necesitan de sonidos que sean acordes con la temática del juego, por lo que cada máquina suele contar con su propia música que busca incrementar la adrenalina que resulta de la posibilidad de ganar de dinero.
La música para los juegos se ha convertido en todo un arte y una industria en la que los compositores experimentan y crean nuevos sonidos. Al hacer referencia a bandas sonoras de videojuegos puede que surja el término música adaptativa, que no es más que un conjunto de pistas que se disparan de acuerdo a lo que va ocurriendo en el juego. Esta es la razón por la que algunos compositores consideran el género de los video juegos como uno de los más retadores.
Estas piezas adaptativas tienen un proceso de elaboración diferente porque la melodía debe ser separada y perfectamente sincronizada con el andar de la trama, lo que america un trabajo extra de diseño y programación.
Para cerrar
La experiencia con los videojuegos es un todo que incluye gráficos de excelente calidad, sonidos, silencios, y música que realzan el significado y progreso de la trama.
Para muchos fanáticos de los juegos, la experiencia visual y auditiva van de la mano así que se puede esperar que la industrial musical seguirá evolucionando al ritmo que impongan los avances en la tecnología de los videojuegos para así complementar de forma perfecta la trama y las emociones que se deseen comunicar.