El Impacto del Heavy Metal y su conexión con los videojuegos a lo largo de Historia

Los videojuegos y el metal han tenido una asociación profunda y vívida desde que este último se hizo popular a principios de la década de 1980, intercambiando no solo estética sino también un sentido de comunidad entre sus respectivos fanáticos. La fijación del black metal con las tierras y las guerras de estilo Tolkien se presta maravillosamente a los juegos de fantasía oscura o los juegos de mazmorras, mientras que el universo FPS hizo su avance en los deportes electrónicos y las escenas de apuestas (como las casas de apuestas en Argentina) podría integrar fácilmente gran parte de su fuerza más contundente del death metal. El alcance de su colaboración parece ilimitado.

Aunque menos frecuentes de lo que les gustaría a los metaleros (como nosotros), tales asociaciones existen. Por ejemplo, las leyendas de la muerte tecnológica Origin podrían coreografiar sobresaltos y monstruos desgarradores de carne para una experiencia de terror de ciencia ficción elemental, o una extravagante banda de power metal podría dar una banda sonora OTT a un juego de rol de espadas y brujería.

Ha sido evidente desde el inicio del heavy metal, especialmente en los subgéneros black y death, que el interés por lo extraño, lo fantástico y lo macabro ha sido un pilar de la música heavy. Después de todo, demonios, mazmorras, serpientes y calaveras como decoración se pueden encontrar en muchas portadas en blanco y negro.

De manera similar, los videojuegos se han centrado en los reinos, mundos y realidades alternativas fantaseados de sus diseñadores dada su gran dependencia del escapismo. Similar a la imagen vívida y frecuentemente asombrosa que se lanza a la audiencia del death metal conceptual, colocar al jugador en el centro de un mundo desconocido es similar. Hay una superposición inevitable entre los dos campos.

Después de todo, así como la música esencial puede ser emocionante y transformadora, también lo pueden ser los videojuegos.


La influencia del metal
Los videojuegos y el metal se han fusionado con éxito durante muchos años. Los primeros ejemplos incluyen Holy Diver de 1989, que incluía referencias a artistas como Slayer, King Crimson, Ozzy Osbourne y, por supuesto, al propio Dio. Sin embargo, si nunca has oído hablar de él, se debe al hecho de que el juego nunca se lanzó fuera de Japón. Al principio, las colaboraciones de música y juegos se limitaban a vínculos, como el juego de arcade Journey Escape (1982) o el juego de pinball Mötley Crüe Crüe Ball (1992). Posteriormente, bandas como Iron Maiden y Queen lograrían la misma proeza con sus discos Ed Hunter de 1999 y Queen: The eYe, un año antes.

Como era de esperar, algunos de los primeros juegos que vale la pena considerar son los desarrollados por id Software, cuyo cofundador y diseñador, John Romero, esencialmente creó un juego escuchando techno y bandas como Slayer, Alice In Chains y Soundgarden sin parar mientras creaba DOOM en 1993, una obra de arte carnosa y salpicada de sangre que ha estado produciendo su propia descendencia mutada y empapada de sangre durante décadas. Bobby Prince, el compositor de la banda sonora, creó una mezcla de elementos para acompañar el tiroteo y la sangre que casi brotaba de la pantalla. El resultado es una banda sonora agitada y siniestra que continúa golpeando los oídos hoy. Las reimaginaciones posteriores, como la grabación de 2016 de Mick Gordon, son igualmente válidas.

Además, los vocalistas de Frontierer, Aborted, Vault Dweller, Immortal Bird, Wildspeaker, Tengger Cavalry, Sectioned, The Anchor y Black Crown Initiate se reunieron para grabar gritos y gruñidos como un coro de heavy metal para la banda sonora de DOOM Eternal (2020). Esto continúa la conexión de la franquicia DOOM con la música más pesada. ¿Quién más grita esto en voz alta y con soltura, después de todo?

Trent Reznor, que caracteriza sus contribuciones como “texturas y ambientes”, contribuyó con paisajes sonoros impulsados por drones a Quake, la sensación más profunda, oscura y siniestra de los mismos creadores en 1996. El armamento de pistola de clavos que aparece en el juego y cuyas cajas de municiones llevan el reconocible emblema de NIN es un reflejo de su obra. Duke Nukem 3D, el tercer y más popular juego de la serie en ese momento, es otro lanzamiento de 1996 que vale la pena echarle un vistazo. La banda sonora incluía una mezcla de hip-hop y metal, con actos como Type O Negative, Megadeth y Coal Chamber apareciendo para el último género.


Acompañamiento Musical Pesado
Varios revivals de metal o punk de adolescentes en la década de 2000 han sido objeto de historias completas, gracias a programas como Tony Hawk's Pro Skater. Su éxito reflejó el crecimiento del skateboarding como deporte, así como una subcultura de bricolaje que tenía su propia ropa y estética. La música, una mezcla de hip-hop, skate punk y rock alternativo, puede haber sido el componente más notable de esto.

Aunque hubo indicios de metal por descubrir y los juegos, sin duda, sirvieron como plataforma de lanzamiento para muchos aspirantes a metaleros, cabe señalar que el metal nunca se adoptó por completo en los juegos. Teniendo en cuenta que el nu-metal estaba alcanzando su cúspide comercial en ese momento, es probable que esto haya sido un golpe de previsión excepcional en retrospectiva; sin embargo, todavía surge la pregunta de si un juego alguna vez adoptó genuinamente el metal o la música pesada en su base.

Se puede argumentar que el juego de Super Nintendo Rock N 'Roll Racing de 1993 fue un ejemplo temprano de una idea que se estaba ejecutando. Las versiones chiptune de “Paranoid” de Black Sabbath y “Highway Star” de Deep Purple utilizadas en el juego de carreras todavía son reconocibles al instante hoy, y le dan a la leyenda de 16 bits del juego un ritmo vertiginoso.

También hay juegos como Carmageddon (1997), que se destacó por estar restringido debido a su violencia e incorporó tres pistas de Demanufacture de Fear Factory, lo que le dio una cierta ventaja al juego, que ya era muy controvertido. Además de darle su nombre al género, la serie Twisted Metal presentaba pistas pesadas originales y canciones posteriores de artistas como One Minute Silence y Rob Zombie. Si bien es una pena que el juego en sí no esté a la altura de la banda sonora, Splatterhouse de 2010, con una banda sonora que incluye Lamb of God, Mastodon, Municipal Waste, Goatwhore, High on Fire y más, merece una mención.

Los OST más pesados de la serie Metal Gear y la música de baile contundente de la serie WipeOut son solo algunos ejemplos de juegos que se han inspirado en los bordes más oscuros de la música, pero hay otras innumerables franquicias que han respaldado sonidos más pesados para la banda sonora de sus franquicias sin volverse completamente metaleras.

Así que sí, hay heavy metal en los juegos, pero no suele ser la atracción principal. Hasta que echas un vistazo a Brütal Legend de 2010. Con un examen lúdico pero apasionado del género, el videojuego es una carta de amor dirigida a la música pesada y el pináculo del metal como concepto de juego. El protagonista Eddie Riggs, un roadie que va a rescatar una tierra mitológica que parece cobrar vida en las icónicas portadas de discos de los 80, está controlado por el jugador (excelentemente expresado por Jack Black). Para enfatizar la novedad, uno de los armamentos del jugador es una guitarra Flying V que puede emplear para asar a los oponentes con acordes ardientes. Ozzy Osbourne, Lemmy (QEPD), Lita Ford, Tim Curry y Rob Halford se presentaron en el destacado elenco de voces del juego, que también estaba lleno de la realeza del metal.


La influencia de los videojuegos
Por cierto, el metal también ha influido en juegos como Brütal Legend en la dirección opuesta. Las bandas han adoptado la historia o han descubierto funciones de juego que se ajustan a sus ambiciones artísticas para cada juego que usa el metal como influencia.

Los extraños chirridos y pitidos del sintetizador de mazmorras han regresado recientemente, inspirándose en el período de los 8 bits y las computadoras personales. El estado de ánimo de los laberintos llenos de esqueletos y basados en texto sigue siendo misterioso, y existe una conexión innegable entre los dos.

El estilo “Nintendocore” fue creado por artistas como Horse the Band, que incorporaron componentes de sintetizador y chiptune que estaban directamente influenciados por la era de 8 y 16 bits dentro de su sonido influenciado por el hardcore, durante una breve moda a principios de la década de 2000. Incluso aparecieron canciones sobre personajes de videojuegos, como “Cutsman” de la franquicia Mega Man. Esta combinación fue fantástica, pero eventualmente perdió su atractivo cuando la novedad se desvaneció.

Las bandas que han adoptado recientemente los juegos pueden haber creado lo más parecido a una conexión directa que se pueda concebir. Un excelente ejemplo es el increíble Firelink, cuyo trabajo completo se basa en los videojuegos Soulsborne de FromSoftware. Es maravilloso que hayan optado por utilizar la historia de los juegos como un lienzo en blanco sobre el que dibujar sus propias historias en lugar de volver a contarlas directamente. Su propia mezcla de black metal atmosférico y brutal death metal es implacable de una manera que se hace eco de la jugabilidad reconocidamente difícil de la serie. Obviamente, hay algo en la serie de juegos Soulsborne que atrae a los músicos de metal, como se ve por el hecho de que Garden of Eyes, Kosmogyr, Putrescine, Visigoth, Vicar Amelia, Orphanofkos, Plagis, Soulmass, Antre Tomb, Cainhurst, Mold y muchos, muchos otros han abrazado la franquicia.

Otro excelente ejemplo es la banda de metal de Texas Cara Neir, que acaba de lanzar el increíble Phase Out, un homenaje a la era de los 8 bits. Ya se encuentra entre los lanzamientos más comentados de este año gracias al uso de chiptune y una entrega conceptual completa para hacer un disco lleno de referencias a la fantasía y los juegos de rol. Recientemente, un miembro de la banda también lanzó un proyecto en solitario bajo el seudónimo de Gonemage.

Al igual que Noctule, un grupo de black metal inspirado en Skyrim de la guitarrista y vocalista de Svalbard, Serena Cherry, también lo inspiró la afición por las experiencias de juego complejas y ricas en tradiciones. Esto también se enfatiza en el propio marketing relacionado con los discos de Cherry: “Siempre he asociado a Skyrim con el black metal. Los escenarios de las montañas nevadas, los temas morbosos, la columna vertebral de la mitología nórdica, todo va de la mano para mí”. Los inadaptados del Reino Unido Morag Tong también tienen su nombre de la serie de videojuegos Elder Scrolls.

¿Es este el primer grupo genuino de artistas que desean seguir este camino en serio, tal vez como resultado de la exposición de sus practicantes a ambos pasatiempos cuando eran niños? Con ideas tan profundas para explorar, tiene sentido que el arte relacionado con los juegos haya explotado recientemente. Si el polo opuesto también puede ocurrir con más frecuencia, entonces nos espera un tremendo placer.

A lo que podemos aspirar es a una mayor expansión de este nivel de libertad creativa.